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古典音樂的定義范文1
關鍵詞：跨界音樂 融合 價值觀
跨界音樂也稱混合音樂，是指把兩種或兩種以上的音樂風格交融在一起的音樂形式。它的誕生為不同的音樂形態、不同的音樂風格的結合創造了條件，也為大眾帶來了全新的視聽體驗。跨界音樂的含義可分為兩層：廣義上泛指任何幾種音樂融合在一起而形成的音樂，狹義上則單純指古典音樂與通俗音樂相交融的古典跨界音樂，它是跨界音樂中最流行、最具有代表性的一種音樂形式?？缃缫魳返臍v史時間不長，但是它符合社會多元文化的不斷發展和人們審美需求的多樣化的要求，深受大眾的關注和喜愛，在世界樂壇上有著很強的影響力。
1 跨界音樂的起源和定義
跨界音樂的產生比較晚，大約起源于上世紀五六十年代，最早出現于美國。它的產生與音樂排行榜有關，一張新唱片登榜在不同類別的音樂排行榜上即被認為是某種意義上的音樂形式的交叉，成為跨辦音樂的原始模型。伴隨著這種發展趨勢，出現了許多跨界音樂人，如古典辣妹組合、神秘園組合、莎拉.布萊曼、馬友友、陳美等等。上世紀90年代，跨界音樂在中國逐漸興起，女子十二樂坊的二胡演繹、刀郎的老歌新唱、西洋器樂伴奏在中國傳統戲劇中的使用等等正成為一種新銳時尚的生活態度和審美方式，跨界音樂在中國的藝術領域獲得了更新的詮釋。
音樂和音樂家的跨界現象發展到今天具有廣泛性和多樣性，如何給跨界音樂下一個準確的定義？根據查看的相關資料以及所聽到的跨界音樂，筆者總結為在廣義上是指不種類、不同形態、不同風格的音樂相融合的一種藝術形式，在狹義上是指古典音樂元素與流行音樂元素的相互交織、結合的藝術形態?！巴ㄋ椎卣f就是將不同領域的歌唱方法、演奏方法根據需要改編的一種新的藝術形式，由多種音樂元素混合而成更容易被大眾接受和歡迎”。[1]
2 跨界音樂的特點
（1）跨界方式具有廣泛性性和多樣性。常見的有移植、改編、引用等。從更加宏觀的角度來看，就是在古今中外、東西南北、雅俗文野、激進保守和樂內樂外之間的縱橫馳騁、自由跨越。如中國作曲家周文中用古琴曲作為藍本，用西洋的室內樂的編制來呈現的《漁歌》。
（2）跨界音樂人大都具有深厚的古典音樂修養?？缃缫魳啡舜蠖籍厴I于專業的音樂學院或受到過名師指點，這是由跨界音樂本身的性質所決定的?？缃缫魳访撎ビ诠诺湟魳?，跨界音樂人必須有堅實的古典音樂基礎，才能駕馭這些作品，并在此基礎上進行變化創新。
（3）跨界音樂是一種嫁接，更是一種發展。[2] 跨界音樂由多種音樂形式融合而成，既不同于母本，又繼承了母本的優點，是一種突破和創新。我們在以看到跨界音樂以打破傳統、運用時尚元素和現代技術、融合多態風格的面孔吸引了更多不同層次的聽眾，形成了新的音樂演繹手法和演出方式組合。
3 跨界音樂的分類
（1）用古典音樂的演唱方式表現流行音樂。如“華人世界第一男中音”的廖昌永用在專輯《情釋》通過翻唱王菲的《紅豆》、那英的《征服》、迪克牛仔的《有多少愛可以重來》等一系列膾炙人口的流行歌曲讓古典音樂走近聽眾、走向市場作出了積極嘗試。
（2）用流行音樂的方式演繹古典音樂。
以古典的弦樂四重奏組合“古典辣妹”為代表，“用流行音樂的形式和現代化的演出方式打破音樂的界限，將古典音樂的精粹與世界各地的聲音和節奏互相結合，實現音樂的大同，把不被大多數人涉足的古典音樂展現出全新的概念。”
（3）流行音樂與古典音樂的交織融合。英俊瀟灑、實力唱將il divo(美聲男伶)為大家充分展示了這一跨辦界音樂類型。他們的音樂把古典音樂和流行音樂完美地整合在一起，在音樂界可謂是獨樹一幟。
（4）民族與古典相整合的中國特色的跨界音樂。在這一跨界音樂形式中，譚盾的《地圖》極具代表性。他將原汁原味的湘西本土音樂與現場交響樂融為一體，為我們呈現了一場傳統與現代、時間與空間連接在一起的跨界音樂盛宴。
4跨界音樂產生和存在的必然性
無論是在西方還是在東方，跨界音樂能夠長期存在并迅速發展，一定有它的必然性。
首先，跨界音樂的產生和發展符合欣賞者價值觀和審美需求。人們傳統的價值觀認為，古典音樂等于高雅藝術，是上層社會的欣賞特權，欣賞古典音樂意味著高雅的品味和高貴的身份和地位?？缃缫魳穭t化解了人們想顯示自身的高雅品味卻又缺乏對古典音樂的理解之間的矛盾，跨界音樂通俗易懂的特征使受眾不同程度地產生“藝術修養較高”的自我認定，體現了受眾的價值觀。另外，接受群體審美需求的多樣化導致了流行音樂創作風格的多樣化，而吸收古典音樂元素則為多元化的音樂創作提供了豐厚了創作母體，滿足不同人群的需求。從波切利與莎拉.布萊曼在中國演出獲得的巨大成功右以看出，多元文化更加受到現代社會人們的喜愛?？缃缫魳匪囆g正是滿足了觀眾對古典、民族與現代等多重文化因素的需求，才受到人們廣泛的歡迎和贊譽。同時，對青少年來說，欣賞跨界音樂也是一種時尚，正如何曉兵教授所說：“流行音樂的低齡消費群體真正想購買的，并不是原來意義上的音樂，而是以某種熱門音樂為載體的時尚生活方式”。[3]
其次，跨界音樂的內涵在于融合和創新。在各種音樂元素通過自我調節融合在一起的基礎上，結合創作者和表演者的更新與超越，從而使其表現力更加豐富，更具廣度和深度。
第三，跨界音樂所蘊含的文化內容是跨界音樂長久發展和生存的基石。跨界音樂是一個極具包容性的概念，它所包含的音樂因素比世界上任何一種類型的音樂都要豐富，它應該具有旺盛的生命力和極大的發展潛力。無論是不同民族或不同風格或是古典與流行、嚴肅與通俗的音樂都能為跨界所用，并賦予原形式以新形象，從而更加鮮活、更具有時代感、更容易被大眾所接受。
第四，經濟發展、商業利益是跨界音樂發展的又一驅動。企業的營銷宣傳、演藝公司的商業演出往往會選擇社會上正在流行或已經出現流行趨勢的音樂形式，這無疑使跨界音樂成為被選擇的對象并被進一步推動發展。一些作曲家、演奏家、音樂人也會通過不同的方式嘗試對古典音樂的改編，以達到名利雙收的目的。這些低成本、高效益和廣受歡迎的跨界形式便成了古典音樂延續和重構的載體。
5跨界音樂未來發展的展望
古典音樂的定義范文2
一、流行音樂與古典音樂的區別
流行音樂指的是20世紀60年代以后有爵士、搖滾演變來的通俗歌曲都是流行音樂這個范疇,基本就是以歌曲為主而且內容90%都是以愛情為主題,所以內容比較單一。其實流行音樂也是有古典音樂演變看來的,它還脫離不了十二平均律這個規則,基本上以大調為主,曲式基本上是3段體,節奏也比較單一和簡單,基本上以3/4,4/4為主。古典音樂原意是指19世紀時以海頓、莫扎特、貝多芬到布拉姆斯為代表的作曲家寫的音樂作品,這個時期在音樂史成為稱為古典主義時期,但是現在一般是指從18世紀巴羅克時期到20世紀初這段時期歐洲的音樂。更廣義的古典音樂定義連歐洲的歌劇、舞劇、樂劇音樂、音樂劇、中國的民族音樂、地方戲曲、電影中以管弦樂為主的器樂音樂都算是古典音樂的范疇。其實認為古典音樂形式單一,以交響樂為主的是片面的,其實古典音樂器樂獨奏、重奏、協奏曲等的形式也有很多,內容方面從歷史、政治、哲學、文學、自然風光、民間民俗都涉及到。曲式和體裁更加是多種多樣。
二、流行音樂具有一定的社會性
流行音樂鮮明的節奏、優美的旋律,能夠舒緩神經,刺激大腦皮層,進而可以使人們從緊張的精神負擔中解脫出來,在輕松的音樂中得到休息,提高大腦的工作效率。因此,流行音樂自身所具有的這種優點為流行音樂存在的價值創造了不可替代的前提提條件。任何一種音樂形式,只有在特有的社會背景下,才會產生真正的“美”。如上世紀70年代,英國社會給年輕人帶來了極大的不滿和壓抑,因此,他們通過狂噪和喧瀉來完成內心的反抗。再如50年代流行于美國西海岸的“冷爵士”,正體現了50 年代美國社會的安逸、穩定。白領階層在緊張的工作之余聽聽輕松、典雅的冷爵士,對于他們,這種音樂恰到好處,所以它的價值便明顯地得到了體現,因此“美”也隨之而生。如果讓70年代的朋克朋友去聽軟綿綿的冷爵士,而讓那些白領階層面對狂噪的“朋克”,換來的只有反抗。所以說,流行音樂的“美”是建立在一定的社會基礎之上的。
三、流行音樂歌詞中的傳統性
歌詞的創作其實就是詩歌的創作。毫無疑問,從傳統詩歌中衍生出來的新詩,除了少了押韻的限制,區別的只是事件的述說方式用白話還是用文言而已。而歌詞因為要滿足大眾的需求,多了其煽情的部分。無論是從劉德華的《忘情水》到陳亦迅的《十年》,還是從毛寧的《濤聲依舊》到水木年華的《蝴蝶花》,無一不是憑著其獨特的文化精髓,沖擊大眾的聽覺神經,引起聽眾的心靈共鳴,以致成為膾炙人口的流行經典。十多年前,毛寧的《濤聲依舊》響徹大江南北,直到今天在各大小KTV包廂中仍被廣泛傳唱,與其歌詞中擁有幽雅的古典意境是分不開的。正是那句“月落烏啼,總是千年的風霜”,俘虜了眾多男女的心。
四、流行音樂歌詞與旋律的缺陷
古典音樂的定義范文3
在流行音樂出現以前，歐洲古典音樂是世界音樂的主旋律，但因為古典音樂的欣賞成本較高，且其表演形式和內容與一般市民存在著距離感。所以，古典音樂沒能做到讓全民共賞。就是在這樣的背景下，流行音樂應運而生了。
事實上，流行音樂是古典音樂和民間音樂的精裝版：流行音樂的早期雛形多為古典音樂的經典片段或民間音樂。如著名的《歡樂頌》便是貝多芬第九交響曲第四樂章的片段，又如中國民歌《茉莉花》最早是我國清朝的民間小調。關于流行音樂的定義，并沒有統一的說法。一般地，我們把旋律朗朗上口，歌詞通俗易懂并廣為傳唱的歌曲稱為流行音樂。經過發展，流行音樂已經形成一種獨特的音樂形式。例如：民謠，RAP，爵士，搖滾，鄉村等等。從此，流行音樂為越來越多的人們所喜愛，它的出現，逐漸動搖了傳統高雅音樂在世界音樂中的“壟斷”地位；也翻開了世界音樂史的新篇章。
流行音樂之所以能煥發光彩，很重要的原因是它能夠與時俱進；這一點古典音樂相比之下要遜色許多，拿樂器及演出編制來說：古典音樂幾百年的歷史，基本上沒有什么變動，時至今日，其演出形式與環境仍然原樣地保持著。而流行音樂卻在不斷地嘗試著與時代科技接軌。如運用許多電聲元素：電聲話筒、電吉他、電貝司等等。這一特點更符合中學生的審美。
中學生正處在身體與心理的不斷成熟的階段，對許多事物有著無限的興趣。因此，好聽易學的流行歌曲深受中學生的青睞。隨著MP3，手機等電子產品的普及，我們不難發現，中學生在教室里，在大街上，在公車間無處不在“隨身聽”；另外，我們小組還發現，許多提供唱歌的場所如KTV，已成為中學生課余常去娛樂消遣的地方。
為了進一步探究中學生與流行音樂之間的關系。我們以中學生常使用的QQ音樂、酷狗音樂等各大知名音樂網站為工具。查閱相關音樂信息后，我們發現近年來涌現出許多新歌手，如李宇春、周筆暢、張靚穎、曾軼可、魏晨、蘇醒、陳楚生、張蕓京、胡夏……他們都是通過《超級女聲》，《快樂男聲》，《超級偶像》，《超級星光大道》等選秀節目為許多中學生所青睞。他們當中有的擁有可人或另類或俊俏的外表；有的擁有一把好嗓音；有的還擁有音樂創作的才華。此外，他們所演唱的歌曲總是通過其它載體，像電視劇劇，賀歲電影等來影視作品來吸引中學生和達到引領音樂流行潮流：如2009年臺灣青春偶像劇《海派甜心》，由楊丞琳演唱的主題曲《雨愛》的旋律被許多中學生掛在嘴邊。同年，大陸出現了一部很流行電視劇《仙劍奇俠3》，這部電視劇的主題曲《偏愛》一度成為中學生電腦里，手機和隨身聽里的必備曲目，這首歌的演唱者就是《超級偶像》的冠軍張蕓京。又如2012年的賀歲檔影片《那些年，我們一起追過的女孩》也同樣帶紅了由《超級星光大道》冠軍胡夏演唱的《那些年》。這些例子不計其數。不難發現，這些歌曲內容都符合中學生的心理需要。而且我們發現這類形式的歌曲在逐年增多，中學生這個群體已成為流行音樂的一片沃土，一塊大蛋糕……
綜合我們小組的調查和相關資料，我們得出：如今，中學生已成為流行音樂的主要消費群體。
流行音樂成為當代中學生生活的一部分已是一個不爭的事實。那么流行音樂勢必會影響到中學生方方面面。其中，既有積極的方面，又有消極的一面。我們小組針對中學生喜愛的流行歌曲進行思考，以便探究流行音樂影響的利與弊。
為此我們繼續參考了各大音樂網站和本地的一檔電臺節目《1072流行金曲榜》的歌曲榜單和歌手排名，并結合問卷調查。我們發現中學生喜愛的歌手集中在周杰倫，蘇打綠，梁靜茹，蔡依林，韓庚，孫燕姿，黃小琥，陳奕迅，汪蘇瀧，許嵩，徐良，backstreet boy，艾薇兒，beyond……這些歌手上。
（1）負面影響當前我國的流行歌曲無論是創作還是演唱，都面臨著新的危機，一方面優秀的新作匱乏，缺少詞曲俱佳的新歌，另一方面歌手的整體素質不高，長期在公式化的演唱水平上徘徊。這導致歌曲內容和形式過于簡單直白，不利于對中學生創造力的培養。因為中學生處于各種能力蓬勃發展的關鍵時期，長期偏愛流行音樂、忽視其他音樂類型的欣賞，不利于音樂領域中想象力的培養，更不利于音樂欣賞能力的提高和創造力的發展。
（2）正面影響。我們發現這些歌手來自世界各地，除大陸歌手，還有港臺，東南亞，日韓，歐美等地區。這是個可喜的現象。這說明了當代中學生對音樂有獨特見解。另外，多語種的歌曲增強了中學生學習外語的興趣，對課內英語很有幫助。
在許多歌手排名中，我們發現周杰倫總是“名列前茅”，我們點擊了周杰倫的一些熱門歌曲，發現其中不乏有很優秀的作品，如《臺》《青花瓷》《千里之外》……這些歌曲旋律優美，帶著一股中國風，歌詞十分脫俗雋永，很有古文韻味。中學生在欣賞此類歌曲時，能體味到中國文化的博大精深，歷久彌新。
在問卷調查中，我們特別詢問了一些組樂隊的中學生，他們精通吉他，貝斯，爵士鼓。當問及玩音樂的興趣來源時，他們表示愛上音樂是源自于自己喜愛的流行歌手。如香港的beyond，美國的Green days、披頭士等。這些樂隊的歌曲多為勵志歌曲，如beyond的許多膾炙人口的作品：《真的愛你》贊頌母愛，《光輝歲月》談論理想……這些積極向上的歌手的歌曲能激發中學生學習音樂的熱情，對完善中學生的人格也有重要意義。
古典音樂的定義范文4
的造型藝術。音樂與建筑按照各自的要求和規律發展,看似毫無關系的兩種事物其實卻有著千絲萬縷的聯系。
從公元前8世紀古希臘羅馬時期開始,一直到20世紀初浪漫主義結束,在這漫長的歷史演變中誕生了一大批世界上最偉大的藝術作品,尤其是音樂與建筑藝術,被公認為是人類文明中最純粹的藝術作品。
2 古典各時期音樂與建筑的對比
古典時期按時間順序分為古希臘羅馬時期、中世紀時期、文藝復興時期、巴洛克時期、古典主義時期和浪漫主義時期。在不同的時間段內,誕生了不同風格的音樂與建筑形式,接下來通過對這古典音樂與建筑的風格演變進行對比,找到音樂與建筑的內在聯系。
2.1 古希臘羅馬時期的音樂與建筑
2.1.1 音樂成就
(1)在古希臘神話中,重神之王宙斯的9個女兒是負責掌管音樂等藝術門類的“繆斯”女神。因此古希臘人就用女神的名字“Mousa”(繆斯)作為“音樂”的代稱,這也就是流傳至今“music”一詞的來歷。
(2)公元前6世紀,古希臘哲學家、數學家畢達哥拉斯首先提出純律理論,他根據弦的長度計算出了當時所使用的一切音程,這是音樂理論方面的重大突破。
(3)大約在公元前5到公元前4世紀時,融戲劇、音樂、舞蹈、詩歌為一體的綜合形式——古希臘悲劇與古希臘喜劇出現了。
(4)古羅馬的音樂基本沿襲了古希臘音樂的形態。他們主要用于祭神儀式、婚宴典禮及軍隊凱旋儀式。
2.1.2 建筑成就
(1)希臘:雅典衛城建筑群、帕提農神廟、伊瑞克提翁神廟、勝利神廟、山門、雅典娜神像。
(2)羅馬:萬神廟、大角斗場、古羅馬公共浴場、古羅馬住宅、古羅馬廣場。
2.1.3 音樂與建筑的共同點
(1)音樂:固定的調式,如多里亞調式、弗里吉亞調式。
(2)建筑:固定的柱式,如多利克柱式、愛奧尼柱式、科林斯柱式。
(3)共同點:固定不變。
2.2 中世紀時期的音樂與建筑
2.2.1
音樂成就
(1)這一時期的音樂多以宗教目的為主,宗教類型的音樂泛指的是葛麗果圣歌,此為單音音樂的作品,一路發展下來就成了後來的彌散曲、安魂曲。
(2)世俗音樂也有了巨大的發展,大部分的作者都是一些沒落的貴族階級,其實內容大部分都是與宗教有關,但并不是在教堂里演出。
(3)連年的戰爭加上宗教的禁欲主義,音樂內容與形式以宗教為前提,在通俗音樂與宗教音樂夾雜抗爭中發展。
(4)中世紀的音樂發展無疑是整個音樂史發展中禁錮最多、最灰暗的一段。
2.2.2 建筑成就
(1)羅馬風:基督教堂、封建城堡、教會修道院。
(2)哥特:比薩主教堂建筑群、佛羅倫薩主教堂、威尼斯的總督府、阿爾罕布拉宮。
(3)拜占庭:圣索菲亞大教堂。
2.2.3 音樂與建筑的共同點
(1)音樂:多為教會音樂,單音節、無和聲、無伴奏、清唱、齊唱。
(2)建筑:多為教堂建筑,理性、禁欲、有節制、樸素、多用厚重陰暗的半圓形拱門。
(3)共同點:樸素禁欲。
2.3 文藝復興時期的音樂與建筑
2.3.1 音樂成就
(1)這個時期的結束比開始有更為明確的定義,不像其他的藝術類別。在15世紀初的音樂表現上沒有明顯變革,因此說文藝復興時期的音樂特點是逐漸變化的。
(2)早期文藝復興音樂作品主要是對第三間隔的依靠作為和音。從12世紀開始的復調音樂在整個14世紀變得更為細致而不依靠聲音來表述。15世紀初的音樂趨向簡單,聲音致力于平滑。
(3)到15世紀末,復調宗教音樂又開始變得復雜起來,在某種意義上和當時發展極致的繪畫有所關連;接下來到16世紀早期,音樂又開始簡單化了。
(4)在16世紀晚期的音樂,尤其是小曲,趨向于更加復雜和半音音階的趨奉。此時在佛羅倫斯,音樂家也開始轉向古典流派,他們試圖通過挽詩的形式恢復古希臘的夢幻化的音樂形 式。 2.3.2 建筑成就 (1)早期:弗洛倫薩大教堂、魯奇蘭府? ? (2)興盛:圣彼得堡大教堂、法爾尼斯府? ? (3)晚期:維琴察的巴西利卡和圓廳別墅。 2.3.3 音樂與建筑的共同點 (1)音樂:提倡人文主義,描繪世俗生活情景、表現詩意的畫面。
/> (2)建筑:批判神權、肯定人性、把人的比例融入建筑,多用線條輕快的尖拱、造型俊秀的小尖塔、飛扶壁、彩窗。
(3)共同點:人性解放。
2.4 巴洛克時期的音樂與建筑
2.4.1 音樂成就
(1)巴洛克是一個時期,而不是一種風格,這個時期出產的音樂作品就稱為巴洛克音樂,1600到1750年這150年間就叫做巴洛克時期。
(2)巴洛克音樂帶有很濃的宗教色彩,當時的宗教音樂在西方音樂的發展占很大的分量。
(3)那個時期的器樂曲發展也很迅速,尤其是弦樂方面的發展,弦樂的音色更能體現出巴洛克的特色。
(4)代表人物有:巴赫、維瓦爾蒂和亨德爾。巴赫是音樂之父,維瓦爾蒂憑著他的《四季》一舉成名天下知,亨德爾是旋律大師,他的作品有一種優雅,他們所留下來的東西是巴洛克時期的一大筆財富。
2.4.2 建筑成就
(1)早期:羅馬耶穌會教堂。
(2)中期:羅馬波羅廣場、圣卡羅教堂。
(3)晚期:維也納的舒伯魯恩宮。
2.4.3 音樂與建筑的共同點
(1)音樂:多用裝飾音符、分聲部和聲、節奏強力跳躍、華麗、強調起伏和速度、表現壯觀場面。
(2)建筑:炫耀、多用貴重材料、追求新奇、裝飾、色彩鮮麗。
(3)共同點:裝飾華麗。
2.5 古典主義時期的音樂與建筑
2.5.1 音樂成就
(1)廣義是指西洋古典音樂,狹義指古典主義音樂,是1750-1820年這一段時間的歐洲主流音樂。
(2)因為這一時期的三位代表性人物:海頓,莫扎特,貝多芬的生活與創作主要都在維也納,因此又被稱為“維也納古典樂派”或“維也納古典主義音樂”。
(3)“交響樂之父”海頓的小夜曲,“神童”莫扎特的奏鳴曲,以及“樂圣”貝多芬的小提琴協奏曲。音樂的主題也從延續幾個世紀的宗教音樂,逐漸變成富有豐富哲理內涵的古典音樂。
2.5.2 建筑成就
(1)早期:維康府邸。
(2)中期:盧浮宮東立面、凡爾賽宮。
(3)晚期:巴黎殘廢軍人新教堂。
2.5.3 音樂與建筑的共同點
(1)音樂:嚴謹、典雅、端莊、像黑白電影和版畫一樣。
(2)建筑:以古典柱式構圖為基礎,突出軸線、強調對稱、注重比例。
(3)共同點:理性主從。
2.6 浪漫主義時期的音樂與建筑
2.6.1 音樂成就
(1)這個時期藝術家的創作上則表現為對主觀感情的崇尚,對自然的熱愛和對未來的幻想。
(2)強調音樂要與詩歌、戲劇、繪畫等音樂以外的其他藝術相結合,提倡一種綜合藝術。提倡標題音樂,強調個人主觀感覺的表現,作品富于幻想性,描寫大自然的作品很多,重視戲劇,作品具有民族特色。
古典音樂的定義范文5
關 鍵 詞：古琴音樂 分形幾何 音樂研究 方法 科學 分形音樂
一、引言
在我國傳統音樂中，古琴是最古老的弦樂器之一。《樂記》有“昔者舜作五弦之琴，以歌南風”之說。清代著名琴家徐祺在《五知齋琴譜》中寫道：“昔者伏曦之王天下也。仰觀俯察，感榮河出圖，以畫八卦，聽八風以制音律，采峰山孤桐，合陰備陽，造為雅樂，名之曰琴?！绷硗庖灿腥苏f古琴是神農或堯帝等創制的。這些雖出自傳說，無文字記載或實據可考，但在安陽殷墟墓葬中出土的文物中有兩件像琴的石器，且甲骨文中把音樂的樂字記為“ ”，這是以絲弦張附在木器上的象形，由此說明在殷商時代（即甲骨文產生之際）就已有了琴這一類樂器，大概是可信的[1]。由此亦可推知古琴應產生于殷商之際甚或在此之前，即古琴已存在三千多年了。
對于這樣一件產生于史前，而且幾乎完整不變地流傳至今的樂器，不僅在中國，即便是在全世界范圍也難以再找到第二個！因此，對古琴尤其是古琴音樂進行詳細的考察與研究，不僅能夠揭示我國古代音樂的發展變化情況，而且亦可從中透視出我國古代社會政治、經濟和科技的發展與變化[2][3][4]。
對音樂進行研究，當今占據主導地位的有三種方法，即歷史的方法、分析的方法和比較的方法[5]。這三種方法在音樂研究中已經取得了輝煌的成就，而且仍還有著非常廣闊的前景。但是，它們各自的研究范圍都比較狹小，或某一作品，或某一人某一派的作品，或某一時期的作品，或某一地域(或西方或東方或非洲或拉美)的作品，而不能從整體上研究范圍更廣的音樂現象。眾所周知，無論古今，不分地域，任何地方只要有人，就會有音樂，這就說明音樂必定有著某種屬性，它是一種與時空無關的非民族性的屬性，即音樂的自然屬性?？蛇@種自然屬性究竟是什么呢？怎樣才能將它表示出來呢？我們認為，分形幾何為這一問題的解答提供了一種可能[6][7]。
二、分形幾何與音樂
分形幾何[8]的概念是由曼得勃羅在上世紀60年代末提出來的。它的主要思想是說，在不規則現象表面所呈現的雜亂無章的背后仍存在著規律，這個規律就是在放大過程中呈現出的自相似性。
在自然界中，分形現象普遍存在，俯拾即得。如：微觀世界中晶體的生長，相變過程和化學反應等；宇觀世界中太陽黑子的活動和星際空間物質的分布等；宏觀世界中河流的走向，樹枝的分叉以及地震震級的分布等；就連我們人體血液循環系統中血管的分支和腦電波分布都是分形的。也就是說，自然界似乎存在著“分形者生存”這一規律。
既然我們賴以生存的這個世界到處都充滿著分形，既然我們的血管分支和腦電波都是分形的，因而想必在我們的潛意識中(或者是本能地)對分形現象定會有著某種默契或產生共鳴，或者說我們人也偏愛分形，正是這種偏愛形成了音樂創作與欣賞在主體心理與對象間的鎖定。沃斯和科拉克[6]等人首先從實驗上證明了這一點，他們發現優美動聽的音樂的音量是分形的，后來許氏父子（許靖華和安得魯·許）[7]又從理論上證明了古典音樂中旋律的進行也是分形的。
三、古琴音樂中的分形幾何
為了研究音樂的分形幾何，首先必須把它加以量化，因此撇開音樂的社會學定義不講，現在我們從數學上給它下一個定義：音樂是具有不同音高（頻率）的音的一種有序排列。既然如此，那么這種有序的數學表達是什么？隨意地敲擊琴鍵不會產生音樂，不同音的有序排列組成了旋律，這種排列是分形的嗎？如果答案是肯定的話，那么在一首音樂作品中兩相鄰音之間的音程 i 與其出現的幾率 F 應滿足下述關系：
F = C/iD 或 logF=C’- Dlogi
即音程 i 的對數與其出現幾率F的對數之間存在線性關系，也就是說以 logF 和 logi 為縱橫坐標作圖，則各點均應在同一直線上。其中 D 為該作品的分形維數(分維)，C 為比例系數，C’= logC。
許氏父子通過分析發現[8]，對于巴赫和莫扎特等古典音樂大師的作品，上述分形關系式均可確立，但對于現代無調性音樂作品，則無此種關系。為了對我國古代音樂進行深入的理解與研究，為了對東西方音樂的異同進行比較，下面我們也將使用這一方案對我國古琴音樂進行分析。
首先選取《古逸叢書》中管平湖打譜的《幽蘭》[9]進行分析。對該曲中音程 i 及其出現幾率的統計結果如下表：
將音程 i 及其出現概率F分別取對數對應作圖可以看到（圖1A），在區間2≤i≤11，存在分形關系：
F = 3.80/i3.15
圖中與分形關系有較為顯著偏離的是i=7（純五度）和i=10（小七度）的過量。其實對于這種偏離也是不難理解的，根據和聲音程在聽覺上所產生的印象，音程可以分為協和音程與不協和音程兩類。兩音的頻率具有較小整數比的音程叫協和音程，屬于這一類的有極完全協和音程的純一度（1：1）和純八度（2：1）以及完全協和音程的純五度（3：2）和純四度（4：3）。所有這些音程聽起來都很悅耳，因而在優美的樂曲中協和音程出現的幾率就較大，從而導致了對分形關系的偏離。類似的，由于不協和音程（小二度i=1，減五度i=6和大七度i=11等）在聽覺上給人的印象是比較刺耳，彼此很不融合，因而作曲家在創作時總是有意識地少用，這也就導致了與分形關系的偏離。
圖1B是巴赫《創意曲》No.1的旋律分形關系。人們曾評論說，巴赫的作品有著數學般的精確，如果這種精確是指在其作品分形關系成立嚴格程度的話，那么把圖1A和圖1B相比較可以看出，古琴曲《幽蘭》有著較巴赫《創意曲》No.1更為精確的數學?！队奶m》曲早《創意曲》千年而作，況中國與德國又相距萬里之遙，且又分屬東西方兩種不同的文化圈，何以二者都服從分形關系呢？難道這只是偶然的巧合嗎？
為了更深入地理解這一問題，我們對大量的古琴曲[9]進行了統計分析，結果表明，絕大多數的樂曲中均存在著分形關系。特別是《陽春》和《華胥引》，它們有一個共同的特點是分形關系中的比例系數C＝1（即分形關系線延長與縱軸相交于O點），這與莫扎特的F大調《奏鳴曲》及A大調《奏鳴曲》完全一樣。一般認為，莫扎特的這兩首曲子有著圖畫般的絢麗，而古琴曲《陽春》和《華胥引》亦是音畫交融美妙無比。那么，這種對應僅是種巧合呢還是有著尚未發現的更深刻的原因？
與西方古典音樂相比，古琴音樂有以下幾個特點。(1)同音重復和八度音出現的比例較大。究其原因，固然是因為同音重復（i=0）和八度音（i=12）屬于極完全協和音程，聽起來融合悅耳，但更主要的原因是古琴音樂大多來源于以民歌為基礎的琴歌，而民歌中同音重復的比例極大，這是一個帶有普遍性的規律，古今中外，概莫能外，如在莫扎特的取材于民歌而創作的A大調《奏鳴曲》的第一樂章中，同音重復的比例亦高達27％。(2)幾乎沒有半音（i=1）和三整音（i=6）。與西方音樂不同，我國古代音樂大多采用五聲調式或以五聲調式為基礎的六聲調式與七聲調式。在五聲調式中根本就沒有半音和三整音，六聲調式中由于清角和變宮音的加入導致半音的出現，七聲調式中更由于在五聲調式的小三度音程中加入了不同的“偏音”，從而導致除半音外又出現了三整音，但鑒于半音和三整音聽起來比較刺耳，而且演奏起來也不易把握，故而出現頻率較低。（3）小三度（i=3）的過量和大三度（i=4）的不足。眾所周知，由于漢語語言的音韻特點對音樂旋律的深刻影響，小三度在我國民族音階的發展過程中一直占有重要的地位，即使今天，在我國民間勞動歌曲的呼號聲中，多數情況下小三度也還占據主導地位，如京韻大鼓口語旋律在行腔時就呈現典型的三度音程特征。所以說，小三度的過量是很自然的。大三度不足的原因同樣來源于古琴曲的調式，如在五聲調式中，大三度只能存在于宮音與角音之間，這樣在一首樂曲中，除非是有意地采用大三度音程，否則它一定是不足的。(4)復音程(i>12)出現的比例較大。西方古典音樂中復音程呈現的比例均在百分之一以內，而在古琴音樂中復音程呈現的比例則在百分之幾到百分之十幾不等。這種差別可能來自于東西方人的心智模式（思維方式與思維習慣）的不同。國人一般是從整體上看待和把握事物，喜歡那種寬闊宏大的場面；而西方人通常是從細微之處認識和掌握事物，他們喜歡那種細致、嚴格、有確定界限的景觀。這種哲學上的認知差別反映在音樂中便造成了上述差異。
在分析中，我們還發現了一個不存在分形關系的例子，這就是著名的古曲《流水》。其實，出現這一現象也是不難理解的，為了模仿水流的自然響聲，為了表現流水的從容緩進和跌宕起伏，亦即為了表達流水的“洋洋乎”，曲作者過量地使用了小三度和純五度等音程，從而使得其他音程顯得相對不足，無法與其相匹配。但琴曲《流水》與西方現代無調性音樂（亦無分形關系存在）是不同的，在現代無調性音樂作品中，廣音程特別是某些不協和音程（如減五度）出現的幾率很大，甚至超過了狹音程，但在《流水》一曲中狹音程出現的幾率仍是最大的。
四、結論
音樂研究通常是從音樂的社會性（即社會歷史與民族文化）角度進行的。但是我們知道，音樂是一門藝術，也是一門科學。如何利用現代科學的成果進行音樂創作與音樂研究，是擺在音樂工作者面前的一個新問題。
本文利用分形幾何的特征與方法，證明了古琴音樂中的旋律是分形的，并且對中外音樂作品的異同進行了初步的比較分析。是否可以利用這種方法進行完整的音樂形態（如和聲與織體等）分析呢？是否可以利用這種技術進行音樂作品的改編呢？進一步的研究表明答案是肯定的。
參考文獻
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古典音樂的定義范文6
[關鍵詞]視聽語言;動畫;迪士尼;幻想曲
一、動畫視聽語言的定義
視聽語言元素作為一種獨特的藝術形態,其內容主要包括鏡頭、鏡頭的拍攝、鏡頭的組接和聲畫關系。
雖然視聽語言作為一種沒有語法結構的擬語言,但它仍然可以納入語言的范疇,因為它可以像任何其他語言一樣傳遞情感和賦予含義。就視聽語言的文化特征而言,它是一種電影的思考方式;就藝術性而言,它是一種電影的藝術形式和表現手法,并通過電影的假設性和蒙太奇手法反映出來;而就交流方式來說,視聽語言是通過鏡頭剪輯組接和聲音制作等組成的一種電影符號編碼系統來與觀者進行交流。
關于視聽語言的特性,首先,視聽語言的編碼原則不同于日常語言中的編碼原則。視聽語言中 “詞”的能指與所指之間不像日常語言那樣約定俗成和隨意性。人們先天具有和后天積累的感知經驗使其已經擁有了理解視聽語言的知識,因為視聽語言的所指是現實物象世界的延伸,是以模擬人的視聽感知經驗為中心的。
再次,語言的交流是雙向的,而視聽語言的傳播是單向的,思維活動中有不少非言語的具有共時特征的思維方式,有著強烈的象征和暗示作用,影響人的感知思維。
作為電影4大片種之一,動畫電影基本上是由視覺畫面元素(包括運動和靜止的視覺元素)與聽覺聲音元素(包括語言、音響、音樂)所組成的綜合性藝術。動作與音樂的關系很密切,要使影片成功,從動畫設計方面來說很重要的一點,就是做到音樂的動作性和動作的音樂感一致無間,使視覺形象和聽覺形象相互補充,渾然一體,如同心率脈搏一樣同步協調,產生節奏感。畫面賦予聲音以形態和神韻,聲音給予畫面生命和生活氣息。這種影視藝術所特有的視聽語言,具有形象、生動、感人的作用。
本文主要對動畫視聽語言中的聲畫關系進行分析。
(一) 視覺畫面元素
動畫的視覺畫面能夠自由營造某種氛圍,特別是夢幻的效果,同時它也具有強烈的象征與暗示作用。
社會人類學大師、功能派的締造者馬林諾夫斯基在《文化論》中曾經表達過這樣一種觀點:“文化是包括一套工具及一套風俗――人體的或心靈的習慣,都是直接地或間接地滿足人類的需要?！眲赢嬈岳L畫或其他造型藝術形式作為人物和空間環境造型的主要表現手段,運用夸張、神似及變形的手法,借助幻想和象征,反映了人們在社會生活中的理想和愿望,具有高度假定性。畫面營造的夢幻氛圍符合了當代社會人們釋放壓力的審美需求,也滿足了人們追尋“白日夢”的心理體驗。
除此之外,視覺畫面也是具有感情的,能使人產生比較強烈的心理反應。當一種畫面與聯想到的事物緊密聯系,表現出某種特殊意義,并且被人們公認及在社會中流行的時候,就形成了這種畫面與某些特定事物的關聯象征意義。
(二)聽覺聲音元素
“動畫片中70%的沖擊力來自于聲音?！痹诘纤鼓釀赢嬛谱髦辛鱾髦@樣一句話。我們可以清楚認識到聲音在動畫片中不可替代的作用。
影視藝術中的聲音包括語言、音響和音樂,它們是組成影視聽覺聲音的三個要素。
1.語言
現實生活中,語言是人類惟一完善的交流工具,它在電影里是反映現實生活的重要手段之一。語言除了具有表達邏輯思維的功能外,還因其音調、音色、力度、節奏等因素而具有情緒、性格、氣質等形象方面的豐富表現力,同時它也是角色之間以及角色與觀眾之間進行交流的重要手段,能夠最直接、迅速、鮮明地體現出角色之間的關系,并帶動劇情發展。
2.音響
音響是影片中必不可少的組成部分,通常分為:(1)動作音響;(2)自然音響;(3)背景音響;(4)機械音響;(5)槍炮音響;(6)特殊音響。
在電影創作中,音響不止是對畫面上已出現事物的補充說明,還可作為劇作元素納入影片的結構中,成為創作手段之一。對于動畫來說,音響的藝術功能不僅在于能增強生活感和真實感,還可以通過夸張變形與畫面配合,產生的喜劇效果不亞于其他元素。
3.音樂
音樂是最早進入電影的一個聲音元素。從默片開始,音樂就一直是電影的忠實伴侶,幫助觀眾讀解畫面內人物的情緒,渲染故事的氣氛。隨著有聲電影的發展,音樂逐步加入影片內部,成為電影綜合藝術中的一個重要元素。
音樂在動畫中占有非常重要的地位,它的抽象性經常被用來代替語言和音響,借以塑造人物形象、渲染氣氛、強調角色動作、解釋畫面內容。
音樂在動畫片中從屬于視覺內容,它的創作必須符合視聽語言的語法和觀念,它所具有的敘事和抒情功能,能夠大大增強動畫片的感染力和藝術性。好的電影音樂應該是融化滲透在影片的整體構思之中的。
二、《幻想曲》中視聽語言的分析
(一)畫面的運用
1.夢幻氛圍的營造
在迪斯尼動畫中,歌舞場面的注入,是不可或缺的夢幻情節,也為動畫文化及感官帶來新的變革與突破。
《幻想曲》這部電影,既秉承了迪斯尼公司的動畫傳統,色彩鮮艷,角色鮮明,又在其基礎上有所突破,擁有超凡的想象力。動物、精靈、神怪等的歌舞畫面在一般的影視表演中很難做到,而動畫的夢幻特性卻能為這樣的歌舞情節提供可能性。本片在很多地方都有非常典型的充滿夢幻氛圍的歌舞場面。
其中觀眾印象最深刻的一段就是鴕鳥、大象、河馬和鱷魚伴隨著樂曲《時間之舞》表演的令人忍俊不禁的芭蕾舞。這段畫面,讓人領略到動畫藝術可以令動物呈現出高于芭蕾舞演員的專業技巧。雌性鴕鳥舞者在優雅的藤蔓花紋中舒展著肢體,大象舞者圍繞著肥皂泡起舞,甚至騎在了上面。睡夢中的河馬還被輕盈的肥皂泡托上了天空。最后,鱷魚在其他動物的包圍下瘋狂追求河馬。他一會兒和河馬在大理石柱后面捉迷藏,一會兒又騎在鴕鳥身上。巧妙設計的情節,細致的場景,夸張的動作,讓人完全沉浸于其中。
值得與其進行比較的《胡桃夾子組曲》這一片段也充滿了夢幻歌舞表演。當音樂響起時,精靈們隨著輕盈的音樂,跳著優美的華爾茲舞,把秋冬的轉換美妙地展現出來。蘑菇們穿著傳統的中式服裝起舞,花朵在蘆笛聲中歌唱,水底的金魚此刻也成了阿拉伯舞者。
動畫制作者突破性的賦予了音樂生動的動畫形象。我們能從畫面中充分感受到夢幻的氛圍。
2.象征與暗示
在影片里,伴隨著巴赫的名曲和舒伯特的《圣母頌》出現了兩組特別的畫面。
首先在巴赫《賦格曲》結尾部分,畫面中不斷上升的光輝漸漸變成了發光的哥特式拱門形狀,映襯在藍色的背景下。鏡頭慢慢推移,拱門也越來越大,五束光束從空中投射下來。在《圣母頌》樂曲的開始部分,朝圣者手持蠟燭緩緩通過一座橋梁,橋拱呈現出三個哥特式的拱門形狀與倒影相互輝映。接著一束光投進一個狹窄的隧道。伴隨著靈歌的聲音,鏡頭慢慢穿越隧道,穿過森林,最后定格在光芒萬丈的金色天空。
全片無論是角色還是背景都沒有任何真正具體的表現宗教的畫面,但是我們能從這些抽象的畫面中感受到宗教。哥特式的建筑很容易與教堂建筑產生聯系,灑下的陽光很顯然也是上帝和諸神的聲音,他們就是宗教的象征。從某種意義上來說,這兩段也是該片最典型的起心理暗示的視覺元素。
影片以宗教作曲家巴赫的音樂開始,經過了種種美妙的夢幻,神話,歌舞,魔界,最后又在圣潔的樂曲中得到了凈化,超越。再配上這些惟一出現的典型的視覺元素,可謂是首尾呼應。
(二)聲音的運用
1.對話
來自紐約愛樂樂團的播音員泰勒在《幻想曲》一片中作為貫穿整個影片的敘述者,在每段開始前為我們介紹了這段影片中將出現的情節大綱以及故事背景,輔助觀眾更好地欣賞畫面及音樂。除了泰勒的敘述外,整部影片只有一段樂團指揮斯特科夫斯基和米老鼠之間的對話,出現在杜卡斯的《魔法師的學徒》樂曲結束后。
2.音響
影片進入下半部分前,有一個幕間休息。樂手們隨意地演奏試音。這時,泰勒開始給大家介紹這個團隊中不可缺少的成員:音軌,一條垂直的軸線來到了銀幕中央,它就是音軌。
每一種聲音,無論是對話、敘述、音樂,還是聲效,都有自己的一種固有的模式。而每一種模式在音軌上都會呈現出不同的形狀。豎琴、提琴、長笛、喇叭以及三角鐵等不同樂器的音響在這里配合著畫面,音軌在銀幕上幽默地演示人性化的線條變化和不同音響之間的關系。
3.音樂
電影音樂是電影組成中重要的一部分。迪斯尼的《幻想曲》是一部完全為音樂而作的動畫片。
從音樂方面來說,《幻想曲》以音樂作為基礎,但不受其原創動機的限制,動畫藝術家們沉浸在音樂中,無拘無束的展開自己的想象,創造了嶄新的視聽感覺的動畫片。
一提起音樂,年輕人心里大概會首先想到流行歌曲、搖滾、RAP等時髦的東西,高雅的古典音樂對于他們來說似乎失去了生命力。但當你看完本片,就會感到古典音樂其實并不晦澀難懂,而是與其他音樂一樣飽含感情。本片以動畫的鮮明、清新和想象,喚醒了古典音樂的內在活力。
與其他的電影配樂不同,《幻想曲》大膽選用了聲名顯赫的古典音樂大師的作品。在為數眾多的候選作品中,沃特和斯特科夫斯基最后決定使用的8首古典音樂作品包括:巴赫的《D小調托卡塔與賦格曲》(Toccata and Fugue in D Minor),柴可夫斯基的《胡桃夾子組曲》(The Nutcracker Suite),杜卡斯的《魔法師的學徒》(The Sorcerers Apprentice),斯特拉文斯基的《春之祭》(The Rite of Spring),貝多芬的《田園交響曲》(Pastoral Symphony),龐切的《時間之舞》(Dance of the Hours),穆索爾斯基的《荒山之夜》(Night on Bald Mountain),舒伯特的《圣母頌》(Ave Maria)。
(三)音畫的結合
樂曲可以看成是有機的生命力,畫面可以看做是人造的生命力。電影嘗試從不同途徑實現畫面與音樂的融合。迪斯尼把他們融合在一起,互相汲取精華的部分,互相影響以致產生同步性。在有聲的卡通世界里,任意的筆畫好像都是由旋律激發出來的,都是對于聲波的自然反應?！痘孟肭纷屢舢嫾夹g的結合不再是奢望,畫面與音樂所表達的情緒完美配合也給人留下了深刻的印象。
最開始配合音樂的畫面是演奏者投影在幕布上的剪影和彩色的光影,接著樂師的影像逐漸模糊,幕布上的顏色隨著音樂不斷變化。小提琴閃光的琴弦在黎明的曙光中飛馳,散落下來的星光與太陽的光焰相接。抽象的波紋出現在畫面上,瞬間又變成各種具體的動物和自然場景。視聽效果的轉換和過渡都是相當快的,伴隨著音樂節拍同步生動的變化,一剎那間就可以從抽象圖案變成具象形狀。
片中還有個音樂界公認的最符合原作的音畫結合例子就是《魔法師的學徒》這一樂章,它為我們展示了畫面是如何與音樂完美搭配的,帶給我們無盡的感官體驗。例如,米老鼠沉浸在美夢中時,全然不知現實中已經一片混亂。好在魔法師及時出現在樓梯口,結合著音樂的節奏,一步一步讓水退去。小提琴、低音管、豎笛爭相吹出主題,法國號、短號也來湊熱鬧,音樂達到前所未有的張力。沉重的銅管樂器中,魔法大師解除魔咒,水勢戛然而止,樂曲回到與序曲相同的緩慢拍子。當米老鼠小心翼翼地提起水桶繼續工作時,魔法師拿起掃帚朝他屁股上重重地拍了一下,而整個樂曲的最后一個音符也在此時同時發出,畫面和音樂完美的同步配合,時間和節奏都剛剛好。
三、結語
《幻想曲》創造出了傳統視聽語言外的對音樂與畫面的定位,是一種“全新的藝術”。迪斯尼公司通過《幻想曲》,創作了一系列短片配合特定的古典音樂,努力嘗試教會觀者怎樣去欣賞這類音樂,為他們提供了接觸高雅音樂的途徑。而動畫則扮演了視覺輔助工具去幫助觀眾更好的理解音樂。抽象的音樂被賦予了一個個通俗易懂的畫面,公眾自然就能更好的理解了。迪斯尼這部開創了視聽藝術新紀元的影片其實就是一部可以“聽”動畫、“看”古典音樂的經典優秀視聽作品。
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