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美術與繪畫的區別范文1
關鍵詞：裝飾畫；特殊性；綜合材料；差異性
綜合材料繪畫，是區別現代繪畫的，帶有多樣化的材料的一種繪畫形式。比如創作者們將廢棄的報紙、麻袋、金屬、馬賽克、丙烯、扣子、木屑黏貼在畫面作品上來作畫等等，沒有固定的傳統和方法體系，大多都是隨機在畫面加以色彩，想要找一個比較肯定比較全面的論述，還是是比較難的。比如油畫呈現出紋理效果。主要是水和油的運用。是做油底。要用丙烯和油畫，那么在做底的時候，就先用丙烯做出你要的肌理，不可以把丙烯和油畫顏料一起用，而用丙烯做底也干的快，等干后才能用油畫顏料畫，或者也可以直接用丙烯畫水和油不相溶，畫油畫是不能用水的。用宣紙表也是可以的，關鍵是你要表現什么樣的效果，綜合繪畫是用材料媒介通過剪切、拼貼等方式來制作作品的過程。這些材料比如報紙，卡紙，鐵線，塑料瓶等等。綜合繪畫主要是學如何將你的想法通過材料媒介來表現出來，還有就是一幅作品當中一般需要三種不同性質的材料。綜合材料就是講究隨機性、多樣性和差異性，無論用什么。比如，在90年代初的美術，藝術家們都喜歡在畫面里面摻合丙稀，而到了現在就更加沒有絲毫的限制，針線、麻布、塑料、陶罐瓷器等，都能夠作為我們創作的材料。
一、綜合材料在史前畫中的表現
我們追溯裝飾畫的起源可以直追至史前文明時代的彩陶器身上的一些裝飾性紋樣，如動物毛皮花紋、人的指紋或者毛發或者遺留下來的足跡，都是經過當時刻意的夸張變形后的得到具有形式感美感的圖形。史前裝飾畫一般在動物的毛皮或者木頭上刻一些簡單的符號和圖形，區別于后來裝飾畫在紙張、布上面的創作，在動物毛皮和樹木上的簡單創作已經是綜合材料在史前藝術創作中的體現。
二、綜合材料在古代畫中的畫面表現
而有一種說法是說裝飾畫是起源于戰國時期的帛畫藝術。而與此同時的還有洞窟壁畫和墓室壁畫以及宮殿裝飾壁畫藝術。帛是古代一種白色的絲織品，古代的藝術創作者們在帛上面用筆墨來描繪人物、飛禽走獸及神靈、異獸等形象的圖畫。帛其實和現在用的紙張有著異曲同工之妙，區別于紙張，帛是一種絲織品算是材料的一種，這也是綜合材料在古代藝術中的體現；古代藝術創作的集中體現在洞窟、墓室、宮殿裝飾這些方面，古人的藝術創作主要用于洞窟的墻壁或是自然形成的隨機美感，亦或者墓室的雕刻壁畫，宮殿裝飾也是同樣的道理，區別于現在紙張上筆畫的不同，綜合材料在古代藝術的創作集中體現在帛、墻壁、宮殿裝飾燈方面。
三、綜合材料的在近現代的表現與運用
到了近現代，藝術發展進程加快，藝術多樣化，特殊化明顯，如油畫、國畫、版畫等一些繪畫，雖然他們的材料有限，但是綜合材料卻把這一問題很好的解決了，在我們平時看到的很多沒有注意到的物品都可以用來創作，較為正常的有玻璃馬賽克、丙烯瀝粉、豆子谷物等等，平時我們沒有注意到有用過的廢紙，木屑，碎布，扣子，沙子，樹枝等等，很多我們平時認為不可以用的東西都可以成為綜合繪畫的主要材料。近現代綜合材料的運用是目前眾多藝術家的關注焦點，他們用這種方式來表達自己的觀點和想法，并且在形式方法上面快速的發展和創新，而具有不同藝術風格的創作者們也開始紛紛把材料這一觀念加入到自己的創作之中，從而使得作品的形式更加豐富多樣，也大大提高了畫面的表現力。創作者出于自己的藝術創作的需要，挖掘深層次意識中畫面的表現力，表現出強烈的視覺沖擊力，由此綜合材料在美術創作中得到真正的運用。
四、綜合材料藝術在現代裝飾畫中運用的趨勢
首先反映的是綜合材料繪畫的時代特征，也就是當代性；然后是平面與空間裝飾的結合；最后是綜合材料與其他近似學科藝術和交叉學科的融合。而就現在藝術教育和創作的發展現狀來看，已經開始把多種其他的學科融合了進視覺藝術里面，交叉進行融會貫通，而且現在的藝術創作呈現越來越多樣化的趨勢，而與此同時，藝術還在與科技進行融合，比如藝術與物理、化學、工程學等科學學科的融合吸收。藝術與其他學科的融合的現象，不僅僅是豐富了藝術創作的形式面貌，同時也快速提高了藝術的表現力。
五、結語
綜合材料發展到今天已經可以作為一種藝術形式，并且已經成為眾多藝術創作者們進行創作的主要材料，從最開始的動物毛皮到帛畫、紙漿到水墨、從銀樹葉到照片、從以前的洞窟壁畫到現在的油畫裝飾畫動感畫等、從油彩到蠟、從丙烯到鐵銹，這些都是藝術創作者們進行藝術創作的材料和方法。不僅如此，還使得很多傳統材料也有了現當代的感覺。由于所使用的材料和技術不同，而具有獨特的效果。綜合材料在美術裝飾畫中的運用越來越廣泛，使得畫面的視覺沖擊力更大，內容的感染力也更強，正逐步在美術創作中成為創作的主要材料。
作者:李鴻衛 單位:湖北工程學院
參考文獻：
[1]王珠珍，陳耀明.綜合材料的藝術表現[M].上海大學出版社，2005.
[2]車健全.現代繪畫材料研究[M].江西美術出版社，2003.
[3]李冰.藝術設計中的材料美學[J].藝術空間，2010（10）.
美術與繪畫的區別范文2
在課中使用的“范圖”是在學生理解美術的基礎上學習繪畫的技巧，在美術繪畫中技巧種類繁多，每一種繪畫的技巧也不盡相同，因此，需要通過不同類型的“范圖”幫助學生真正了解到每一種不同繪畫的特點。在小學美術教育中教師應當強調實踐的重要性，通過“范圖”來展示繪畫整體構圖、色彩的搭配、意境的營造，突出繪畫所要表現的重點，掌握繪畫的技巧。因此，教師必須很好地展現出“范圖”的繪畫過程。
二、課后使用
在課后使用的“范圖”主要是提供給學生進行課后的練習，以及臨摹與欣賞，并且在學生練習的過程中為學生提供適當的建議，幫助學生解決實際的問題。課后使用的“范圖”類型的選擇應該從多方面考慮，通過讓學生欣賞多種美術繪畫“范圖”來提高對美術藝術的理解，從美術繪畫的實踐中提高繪畫技巧和審美能力。
三、“范圖”使用的作用
（一）培養想象力在小學美術教育中“范圖”的使用有利于培養學生的想象力，通過對畫作的構思、框架結構的安排、繪畫的技巧運用以及細節的處理都能夠提高學生的處理能力，使學生具有明確的學習目的。想象力是通過學生腦海不斷思考而不斷擴展，而美術繪畫的過程正是需要不斷思考。教師可以通過確立一個主題，展示相關的“范圖”一段時間給學生觀看，之后就隱藏“范圖”，要求學生依靠自身的想象力創造畫作，這將能大大的提高小學生天馬行空的想象力，拓展思維方式。培養想象力有利于學生在繪畫創作時樹立獨特的風格，有利于自由的發揮。
（二）提高審美能力美術欣賞是提高學生審美能力的有效手段之一，在小學美術教育中欣賞“范圖”的活動能夠幫助學生認知美術藝術的真諦，同時教師需要選擇具有鮮明特征的繪畫“范圖”，讓學生通過觀察繪畫特征了解畫作的繪畫技巧、構圖的技巧、色彩搭配的要點，通過具有對比性的繪畫“范圖”可以讓學生了解不同類型畫作的區別。通過學生自身不斷的欣賞和感受“范圖”，從而提高學生對畫作的鑒賞和審美能力。在“范圖”的選擇上，教師應該選擇小學生能夠接受和理解的畫作以及著名藝術家的作品，這樣有利于建立小學生初次接觸美術以及欣賞美術作品的能力。
美術與繪畫的區別范文3
[關鍵詞] 裝飾色彩 色彩寫生 色彩教學
裝飾色彩從某種意義上來說也叫色彩歸納，特別是對學藝術設計專業的學生來說，裝飾色彩也是色彩造型繪畫的一種較為獨特的表現方法，對有的教師或者學生來說色彩歸納也可能的新的名詞，尤其是寫實繪畫專業的教學來說更是如此，但對于學藝術設計專業的學生來說，無論是歸納色彩或者裝飾色彩就不會顯得那么的陌生。在色彩的教學中，裝飾色彩應該更適合藝術設計專業的學生，是藝術設計教學中的一門寫生造型的基礎課程，是必不可少的。
裝飾色彩也是屬于色彩寫生的基礎課的范疇，同時與一般的常規性色彩寫生有所區別，存在獨特的色彩語言，它也是寫實性繪畫的延伸或說是轉化。裝飾色彩的造型原則是不停留在對客觀自然色彩或者形態的客觀再現性的“實對”，而應該是突破客觀自然色彩和形態的約束，更著重與主觀對色彩的主觀領悟。在這方面對于藝術設計專業學生的教學中，不能照搬以往的美術院?；蚣兝L畫專業的訓練方式。我們都知道在美術院?；蛘呒兝L畫專業的教學中是由淺到深，按部就班的長期的反復的訓練，從而達到對色彩和造型的目的，同時通過這樣的練習也能夠培養學生的扎實的造型基本功。而這方面在藝術設計專業的教學中對學生則有不同的要求，美術院?；蛘呒兝L畫專業是培養具有一定造型能力和藝術創作的畫家，而藝術設計專業是培養具有一定造型能力和藝術修養的設計師，這里也包括了對色彩的理解及修養的培養和鍛煉，這在教學目的、教學要求和時間分配等都有著比較大的區別，也決定在具體的教學實際中對學生的要求有更多的不同，在我對裝飾色彩課程的實踐教學中，經過實際的教學和對課程的思考與探索，歸納總結得出兩個與純繪畫較為明顯的區別，也可以說是總結出裝飾色彩的兩個基本指向，課程中存在很多的區別。在這里簡單談兩點。
首先，培養學生能力目標
在裝飾色彩教學中藝術設計專業的學生與純繪畫的學生所要掌握的要求和目的不一樣，前者要求學生成為具備有一定造型能力和藝術修養的設計師，而后者是要求學生有從事純繪畫藝術創作的畫家，這就決定了在培養目標上有很大的不同，同時兩者可能有很多的聯系，但是更有區別。簡單說也是培養設計師和畫家的區別，而我們的教學中是著重前者的培養。成為畫家的不一定能成為設計師，反過來說設計師也不一定能成為畫家，兩者有著必然的聯系的同時也有著本質的區別。所以在裝飾色彩的教學中，應該要用培養設計師的能力和目標來對學生有傾向性的要求他們，也就是說不可以用對待純繪畫專業的學生的要求套到藝術設計專業的學生身上。再說了，對于藝術設計專業的學生來說也沒有象純繪畫專業的學生那樣有那么長的時間來對寫實性的物象進行反復的訓練，對他們來說這樣課程的時間是比較短的，所以必須在較短的時間內達到教學訓練的目的。這就是說，教師在上課前應該清楚的知道自己面對的或所要教的學生將來要從事何種職業?要掌握何種能力?要他們成為畫家還是成為設計師?教師應該清晰的知道要培養學生具有成為設計師的能力作為教學目標和任務，要以設計師的素質的能力要求去訓練學生，有了這個概念，才可以在教學中清晰的去體現教學的任務和目標，保證在教學的質量和效果。
其次，教學內容方法
美術與繪畫的區別范文4
關鍵詞：中西美術；審美理想；繪畫創作
中西繪畫的差異根植于兩個文明系統中不同的價值追求，中國繪畫總體上傾向于寫意，西方繪畫總體上傾向于寫實。要說清楚本國美術的發展，不可能不涉及外國美術。同時，為了說明本國美術的特點，也需要同外國美術相對比，這種對比不一定是明比，而是意識到本國美術與外國美術的不同之處。通過不同民族間美術的比較研究來探討一些普遍的美術理論問題。
1中西古代審美理想的異同
從先秦哲學家和美學家的著作中，我們了解到儒家思想是漢文化不同與世界其它民族的基本特質。中國古代審美理想的認識首先要從對儒道思想的認識作為開宗。儒家理想人格的形成是把宗法體制的共同性要求內化于自我人格的形成，“克己復禮”而“成教化，助人倫，”“興于詩，立于禮，成于樂”是為藝術、教育的目標。使得自我與社會的關系從外在的約束轉化為自在自覺的遵守，實際就是要求藝術的情感須自覺的由道德倫理來節制以達到情與理的和諧統一。那么道家的審美理想是什么呢？“夫虛靜恬談寂寞無為者，萬物之本也”。“天地與我并生而萬物與我一”。明確了在心與物渾然一體的體驗中，人的精神將從實用、利害、因果的束縛中超脫出來，達到一種“虛”、“靜”、“明”的自由審美境界。人作為生命的存在本應與自然一體?！暗粺o極而眾美從之，此天地之道，圣人之德也”?！皹闼囟煜履芘c之爭美”。這里真正的美是一種大美至美是天地之美，宇宙本體所顯現出來的質樸、自然、恬淡之美。這些思想不但內涵豐厚，同時還具有深厚的美學意味，對中國書畫美學產生極大影響，為中國古代審美理想構建了一種獨特的宇宙觀，這種宇宙觀表現在藝術上就是以類取之，以虛帶實，以實帶虛，實中有虛，虛中有實，虛實相生，情理統一，物我和一。
對照西方，從古希臘時代開始，西方造型藝術就是以模仿自然為目的，古希臘哲學家們認為“數”是萬物之源。自然界事物存在就是“數理”的存在。藝術家在模仿事物外在形象的時候，通過比例、對稱、完美、表現存在的本質和規律，從一個物體美的認識到集體的、全部的美的認識，從美的形體到美的制度美的知識，一直到徹悟美的本體。由此，在對和諧美的追求過程中有了“一切立體圖形中最美的是球形，一切平面圖形中最美的是圓形。構成長方形比例協調感的“黃金比”。人體美同樣取決于不同數之間的比例和諧”。[1]從希臘神話到希臘雕刻，大量雕像也佐證了藝術對真實物象立體性的模仿和美化。比較中西美術，如果說中國古代哲人對美的認識，主要側重于審美的“心理”方面，那么西方則重于對象的外在形式，關注“美”與“真”的聯系，把藝術的審美創作和欣賞看作是追求知識和真理，乃至追求上帝的過程。
2中西繪畫創作的觀念和思維特征的區別
山水一直作為純粹而且重要的精神象征存在于中國文人藝術家的生活中。古人認為，自然山水在空間形態上豐富多彩、千變萬化，在時間狀態上也是無比生動千姿百態的。從山石、樹木、水澤、云草中尋找人生存在的道理，寄托心靈、情感，正是中國古代藝術家創作山水畫本源的真實意圖。對于山水畫創作來說，中國山水畫的空間特征，更接近于一種時空的轉換，畫家不僅考慮的是看見了什么，更關心人自身內心的變化過程，想到什么。用生命的狀態表達對象。由于沒有象西方繪畫中光影、質感、透視的約束，中國山水畫更多地依靠虛實、遮擋以及不規范的大小比例關系來暗示行云、流水、山石、樹木的空間，而使得對自然的表現更加肆意、主觀、淋漓盡致。所謂“低仰自得，心游太空，心融融于玄境，意飄飄于白云，忘情勿我之表，縱志于有無之間?！盵2]一幅畫可以從山前到山后，從山頂到山腳，一幅長卷可容下一年四季、陰晴、雨雪。它不是特定的山，特定的水。它有明暗、有表情、有靈性、更有生命，可以使欣賞者與之一起喜怒哀樂。
為了栩栩如生的描繪再現自然，西方繪畫努力發明著種種技巧和手法來實現這一目的，尤其在以人物為題材的繪畫中表現突出。對人類自身的認識及興趣自古希臘起由來已久。古希臘人鐘情于人體的表現，他們對于人體結構的精通、體積空間的塑造，完全在于解剖學、光學、色彩學等各門科學意識的滲透。在健康美麗的人體藝術表現中，飽含著人類的生命力，寄托著對美好生活的強烈愿望，是人性的一種自然流露。而這種題材在古代中國畫中絕對少有。此中反映著中西文化深層次的差異。人體與著衣人物畫從文藝復興之時起迅猛發展，除因人文主義精神對人自身價值肯定之外，還有一個因素很重要，就是模特。若無模特，西方人物繪畫單憑記憶想象，也不會有如此高的成就。模特兒為畫家提供了實實在在的創作靈感和依據。但光有模特還不夠。畫家必須深入學習人體解剖，甚至自己動手去研究，隨著西方科學的進步發展，人體透視學與人體運動解剖學進一步幫助畫家創作更具生動性和挑戰性的人物繪畫。對比中國古代人物繪畫在既無人文科學環境的支持，又無內在觀念思想的幫助下，大致我們就可以理解中國傳統人物繪畫中造型不準、解剖不對、不畫人體的原因了。中國人物畫的主要目標和追求是“美”與“惡”的分辨，“氣韻生動”是繪畫所要達到的最終標準，并且形成傳統，彰示后世，中國人物畫的這種追求使得它和西畫表現真實準確的美在造型要求上突顯區別。這里絕無對中西繪畫褒貶評論之意。而只有認識到中西繪畫的各自特點及其產生的原因背景之后，我們會發現，西方繪畫的物質性、再現性，相對中國傳統繪畫的精神性、表現性之間的巨大差異了。
3中西繪畫比較的意義
中西繪畫比較欣賞有著重要的教育意義，其價值在于，其一，使受教育者得到美術文化意識的培養。美術的發展歷程體現著一定社會歷史階段物質文明和精神文明的發展進程。美術作為一種文化其外在形式具有物質性，而創造方式和水平又體現著審美的精神性，美術文化所包含的這些東西需要挖掘和揭示。其二，人文精神的陶冶。雖然繪畫欣賞不同于德育課，但以德育和文化成長為中心的人文精神的教育，也是繪畫藝術教育的使命之一。同時，引導學生形成正確的欣賞態度，掌握正確的方法成為一個心理結構健全的具有審美判斷能力的欣賞者。其三，繪畫欣賞的再創造性。欣賞，表面現象上看是一個直觀掌握的過程，實際上一件美術作品之所以流傳，除了作品本身所具備的品質以外，還有一個重要的原因就是欣賞者的主觀態度。而這個過程必然滲透著欣賞者個體的人格特征、心理內涵和精神理解，這種特殊的心理活動，獨特的心理感受和情感意志，甚至欣賞者所處的時代特性，都會使得美術作品本身有新的開拓補充，甚至是重構，從而使藝術形象成為活的有生命的形象。
參考文獻：
[1] 孔新苗，張萍.中西美術比較[M].山東畫報出版社.
美術與繪畫的區別范文5
學生生涯已離我遠去。工作以來，我不曾放棄過畫畫。盡管自已畫得不是那么完美，有時也會半途而廢，但它對我的吸引力始終不減。畫畫的人都知道，畫畫并不是一件簡單的事，看似容易，做起來難，而這種難的程度遠遠超出你的想象。一次次的失敗，一次次的挫折，讓我從中收獲不小。自我認為，要想畫好水粉畫，必須做到以下幾點：
首先，要有堅強的毅立和樂觀的心態。畫畫是一個長期的循序漸進的過程。如果沒有頑強的毅立，平和的心態，怎能承受的了幾小時畫一張畫，甚至幾天畫一張畫，更有甚者幾年畫一張畫的折磨呢，并且在這個過程中又會遇到相同的或不同的困難和阻礙。我在工作過程中觀察到，能力好的孩子并非最終會取得好的成績，而能力差的學生，因為他們有著非凡的毅立和堅韌不拔的精神，他們不但能坐住，而且對待一幅畫也有一種不搞明白不放棄的勁，反復推敲思考，在高考中取得讓人驚嘆而顯赫的成績。在今天浮躁的的社會里，孟子給“堅忍”做了最好的詮釋：“故天將降大任于斯人也，必先苦其心志，勞其筋骨……”而蒲松齡的一副對聯是這樣說的：“有志者，事竟成， 破釜沉舟，百二秦關終屬楚；苦心人，天不負，臥薪嘗膽，三千越甲可吞吳?！笨梢?，懼怕困難者，庸庸碌碌；頑強不屈者，則以堅忍的精神成長為民族乃至整個人類的脊梁。
其次，畫畫要嚴格遵守從易到難，從簡到繁的過程，違背了這種規律，必定事半功倍。所以，要想畫好水粉畫還必須擁有扎實的素描基本功。素描一詞相對色彩而言，一般指的是單純，樸素的單色畫，它主要借助單色的線條或明暗來表現物體的造型，研究造型的基本法則。素描相對色彩而言更具理性，特別是基礎素描的訓練，用理性指導觀察，用觀察豐富理性，把素描建立在理性的觀察上，從而達到素描的完整性，為后期各種形式的繪畫打下堅實的基礎。米開朗基羅說：“素描是油畫，雕刻，建筑及其它種類繪畫的源泉和本質。并且是一切科學的根本，已經掌握了這門技術的人可以相信自己已占有了一筆巨大的財富”。素描能力的強弱，決定了別的科目的成績。如果沒有素描的專門聯系，色彩的塑造可能永遠都無多談起。
最后，還要熟練掌握色彩的基礎知識及色彩基本規律，并且參加大量的水粉寫生實踐活動。對于初學者，枯燥的說教沒有觸及技法的層面，沒有給初學者提供最直接的表現方法。使得許多學生往往把色彩理論當成技法，拿起筆來，照本宣科或糊涂亂畫，最終一塌糊涂。什么是水粉畫的技法呢？我認為，首先要掌握水粉畫顏料的性能以及水粉畫工具的特點，再結合水粉畫表現的具體要求，全面認識，這樣再來談技巧就避免了空洞的界定。作為色彩寫生的載體，水粉畫的練習必須和正確的觀察方法結合起來，只談表現技巧，而忽略尋求自然美的發現，水粉畫永遠只是淺顯片面的形式主義。
掌握正確的觀察方法。寫生觀察不外乎整體和對比，所謂整體觀察就是彼此對照，區別不同，特別是用“同類對比法”最能照會到微妙的色彩變化，把相同或接近的色彩進行反復區別，找出色差，然后再分解調出。為了避免局部觀察物體，最好側身用余光意會物體的色彩。觀察物體時可以上下左右，跳躍著對比觀察，這樣可以加強不同物體，不同方位的色彩的聯系與區別。
另外，從臨摹入門。臨摹時應當帶著問題，從理解入手，先看畫面是何類色調，是暖色調還是冷色調；是綠色調還是紅色調；是深色調還是亮色調。從素描角度和冷暖角度逐一認識比較，何處最深，何處最亮。何處色彩鮮艷，何處色彩較灰。哪些屬于暖色哪些屬于冷色。光源色、固有色和環境色是如何變化的等等，然后在調每一筆色彩的時候不但要注意如何調準色彩，同時還要考慮如何用筆，是擺還是點，是濕還是干，是大筆觸還是小筆觸，等等。做到胸有成竹，否則不求甚解，被動機械地照搬照抄不但進步緩慢，而且降低興致，日久會失去對色彩的熱情，導致“望色興嘆”。
水的運用。做為水粉畫的調和劑，水是水粉畫、水彩畫和水墨畫等畫種不可缺少的主要媒介。雖然水粉畫也可以象油畫那樣采用干畫法和厚涂法，但還是有許多限制。沒有水就不能更好地發揮水粉顏料的性能。教學多年，我發現許多初學者之所以畫不好水粉畫，很大程度上是因為沒有用好水，因為水的運用是幾乎貫徹做畫始終的。忽視了水的把握，也就忽視了基本方法的講究。建議你先準備一塊吸水性能較好的毛巾，為的是每次涮筆后在上面吸吸水。當然，干畫法和濕畫法對水分多少的要求是不一樣的。
筆上含水分的多少，有時決定做畫進度和做畫效果，水太少，不利于用筆，水太多畫面容易被水分沖壞，而且不易干，拖延了做畫時間。所以，希望初學者先重視水分的運用，從中找出規律，有條不紊地尋找到一條正確的路子。
調色的要求。對于初學者，有兩個難點令人困惑，一是面對靜物看不出色彩變化，二是看出顏色調不準色彩。我認為看不出色彩，不是色盲色弱，就是方法不對?？闯鲱伾?，調不出來很大程度是和經驗有關。教水粉畫幾年，我認為唯一不能教的就是調色，為什么呢？因為每一個人的感覺不一樣，看出的色彩有差別；調色時種類的多少，比例的多少都可能制約著所調之色的準確與否。要想把看到的色彩調的比較準確，首先要把感受到的色彩進行歸納，看看它和哪種顏色更接近，區別在哪里？然后進行分解，把看到的顏色最多分解成兩種色或三種色，不可太多，多了就容易臟，比較以下哪兩種或三種色最能配出你需要的顏色。接下來就要嘗試比例的分配，也許顏料量的比例是我們調色時最難把握的。比例不正確，調出的顏色不是傾向不對，就是過而不及。
塑造的方法。也許每一個初學者都是從素描開始自己的繪畫歷程的，色彩和素描是相互聯系又彼此不同的繪畫兩個形式，當我們能看出一定色彩關系后，怎樣才能把一組靜物塑造的體積感足，空間感強呢？當我們面對一組靜物時，除了努力觀察，理性的素描處理能力是形體塑造的基本依據。用顏色畫素描是水彩畫的大忌。怎樣塑造呢？可以用概括的方法對基本形體進行“三大面五調子”的分析，強調筆觸的獨立性，把一個物體歸納為有限的幾塊顏色，即塊面畫法。這樣，畫面就會層次分明，色彩簡潔明確，加上筆觸的變化，作品就顯得干凈利索，形體結實，具有很強的表現性。關于塊面的塑造方法，可以讓初學者多練習《色彩構成》的基礎知識，尤其是一些從明到暗的色階推移，來區分色彩的層次。只要付出努力就沒有做不到的事。
對于我們繪畫者來說，水粉靜物畫是繪畫基礎課程，也是考驗我們繪畫能力的標志，它不但要求我們要有繪畫天賦，更要求我們學會觀察，學會堅持不懈，學會總結。我相信，只要我們努力，我們才會在繪畫的海洋里自由自在地翱翔。
參考文獻：
[1]從中學到中央美術學院.
[2]高中美術基礎教程.
[3]西方繪畫大師材料技法研究.
美術與繪畫的區別范文6
【關鍵詞】繪畫 設計 美術 關系
時光荏苒，從剛開始懷抱著興趣接觸美術，到將美術作為終生的事業去奮斗已經幾個年頭了。在與這門無言藝術的交流中，繪畫與設計以其不可抗拒的獨特魅力吸引了我，讓我甘愿在追求藝術人生的道路上，義無反顧地用畢生去詮釋。
有人說“繪畫”是一種發自內心的情感結晶，可以陶冶情操，而“設計”是可以滿足人類物質生活的需求，進一步推動社會的發展；也有人說“繪畫”是一種真善美的體現，而“設計”本質上是裸的賺錢行為。但直到今天我都認為“繪畫”和“設計”是同步而生的。二者的關系主要體現在如下方面：
一、繪畫與設計是同派異門
首先美術就像一個大的門派，門派中有著好多門藝術，類似于傳統武術流派中的崆峒派。再者畫家和設計師都應該有著較高的繪畫功底和藝術素質，并具有較高的審美情趣。歷史上有很多的畫家同時也是著名的設計師，例如文藝復興時期的達芬奇、米開朗基羅、拉斐爾、泰勒等。再如香港設計師靳埭強先生的設計非常有特色有風格，他把水墨繪畫等中國文化的精髓和設計進行了完美的結合，如《水墨的年代》《愛護自然》等等。從他們身上可以發現繪畫和設計是相輔相成的，是可以完美結合的。
二、繪畫與設計的獨立地位
雖然繪畫與設計兩者之間有著緊密的聯系，但繪畫一定是設計的基礎嗎？直至今日，世界各國設計學院的教學體系，大多是以繪畫作為設計的教學基礎，旨在培養學生的造型、審美、鑒賞能力。包括我自己任教的動漫課程，一直以來都是在強調著繪畫的基礎訓練，但在長期的教學實踐中我發現這種想法不一定是最恰當的。舉個簡單的例子，班上繪畫能力出眾的學生可以在作品中體現較美的畫面感，而那些美術繪畫課程都不及格的學生可以用另類的制作形式，獨特的故事情節去展示自己由心而發的作品，同樣可以得到別人的認可。
從某種角度看設計并不完全需要繪畫，而是需要個性的展示，情感的噴發和經驗的積累。就好比孩子的成長過程，孩提時代會由新鮮事物引發好奇心，并以此為基礎做出許多嘗試。隨著年齡的逐漸增長，會產生與之前不同的想法和行為，而這些不同時段的想法和行為就是“設計”。因此，繪畫與設計固然有著緊密的聯系，但繪畫不一定是設計的基礎。兩者在特定的條件下是兩個獨立的個體。
三、繪畫與設計的目的有差異
筆者工作以來，除了從事日常教學，更多接觸的是與設計有關的工作，這些設計作品從畫面感到形式再到內容更多傾向于為大眾服務，讓大眾滿意，從而達到為社會商品促銷，為個人、企業或單位的宣傳等目的。換句話說，設計作為商品具有包裝價值和使用價值本身就是為市場服務的，更注重人類生活和生產行為，設計師必須揣摩客戶的心理使方案得到通過?？蛻艨赡軐κ袌龅陌盐铡⒘私膺h勝過設計師，設計師絞盡腦汁的創意想法最終還是依附于客戶的評審。設計也依附市場這根指揮棒。
四、繪畫與設計在實現方式上的差異
由于繪畫與設計存在著巨大的功能上的差異性，同時，在工藝制作的實現方式上也就存在著本質的區別。繪畫雖然是一門藝術，但在制作過程中技術的成分占有相當大的比重。如果說繪畫在藝術的前提下，是一個運用新觀念新手段的創造過程，那么繪畫在其技術中所包含的材料、技巧等一系列因素則是完成和實現這種創造性思維的最重要的手段。
五、繪畫與設計的本質區別
