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中國夢繪畫作品范文1
宋代美術教育的鮮明成果,就是繪畫藝術得到全面發展并產生了大量的繪畫及工藝美術作品。宋代的畫家對繪畫藝術有了新的理解和追求,不再滿足于繼承已有的繪畫形式和題材,開始把視野擴大到社會生活的各個方面,對各種題材都進行專門化的研究,大大豐富了繪畫的題材和內容。據《宣和畫譜》記載,當時宮廷內府所藏歷代名畫共6396軸,其中3300多件為宋人作品。當時許多錄著者稱,他們所見臣民中珍藏之跡“為數不可僂指”、“若盡載平日所見,必成兩牛腰矣”(鄧椿《畫繼》),可見兩宋繪畫作品之豐富。而在繪畫理論研究方面,畫訣、畫論、畫譜、畫評、畫錄等著作不斷問世,據《中國歷代畫學著述目錄》所錄,宋代留傳至今的畫學著作達77種100余卷。無論優秀的繪畫作品還是理論著作在宋代都是非常豐富的。歷代畫家都重視美術教學上的觀摩教育,尤其到了文學化時期的宋代,更注重文化修養。如此之多的繪畫名作和系統的繪畫理論,為當時的美術教育提供了豐富的教育范本和教學資源,自然有利于美術教育得到更廣泛、全面、深入的實施。宋代繪畫的普及正是宋代文化的一種突顯方式,專業、業余畫家及畫工的大量產生恰恰又是宋代美術教育琸約成果的重要體現。
二、文人畫家的加入對宋代美術教育的重要影響
宋以前雖然已有文人畫及文人畫家的產生,但基本上還是處于一種初見端倪的狀態,并沒有產生多大影響。進入宋代這個文學化時期,由于文化的全面發展,文人畫才真正步入蓬勃發展的黃金階段。文人畫家的大量加入,首先就在一定程度上提高了繪畫作品的身份及價值,同時也提高了繪畫的教育價值。文人畫家基本上并不以繪畫為生,而是將其作為陶冶性情或自娛的工具,這正暗合了當代美術教育中的美育,而且也十分符合當代美術教育中的大眾美術教育理念。其次,文人畫家一般都在朝為官,他們的畫作往往能夠得到皇室貴族及侯爵大臣的欣賞與喜愛,對處于統治地位的上層階級審美趣味的形成有著重要的影響,甚至會吸引一些王公大臣加入到文人畫家的行列,從教育內容到教育對象上大大擴展了古代美術教育的范疇體系。最后,文人畫家都具備一定的知識體系和美學修養,他們能夠在總結前人的基礎上更敏銳地體悟到繪畫的深層內涵,并將自己對繪畫的見解以文字形式表著出來。于是就產生了諸多的畫論、畫記、畫跋等繪畫理論著作,或以史論形式總結歸納前人繪畫成就,或表述自己對繪畫的理解與看法,或將自己繪畫的實踐經驗記錄下來。這些理論著作成為美術教學的重要組成部分,為當代及后世畫者提供了有資可參的理論原則,具有極高的指導和學習價值。
三、科技發展促進美術教育形式多樣化
就科學技術方面來說,宋代也取得了較高的成就。被稱為四大發明中的印刷術、指南針與火藥雖然并不是始于宋代,但到宋代在技術及應用上更加先進與廣泛。造紙術在宋代也得到長足發展,繪畫開始大量采用宣紙代替價格昂貴的帛絹,繪畫成本降低,更具文化內涵的文人寫意畫繁榮起來,促進了宋代繪畫風格的形成及美術教育的影響。北宋“布衣”(平民)畢昇發明的活字印刷術,比德國的谷騰堡早了四百年。
①這項發明對繪畫的傳播及美術教育也起到了積極地促進作用,繪畫理論書籍被印刷成冊,得到了更為廣泛的傳播。簡單的繪畫可以被排版印刷,一些繪畫史論及理論書都有了繪圖插頁,甚至一些民間小說中也有了繪畫插圖。宋高宗也曾命院畫家馬和之繪制《詩經圖》,為其親手書寫的《詩經》補圖,使詩歌內容更加形象化,借以宣揚“圣教”。由北宋官方頒發的一部建筑工程規范典籍《營造法式》,繪制541張圖片,與文字相對照,其中除大量地盤圖、測樣圖等示意圖外,還有許多門窗柱基等部件圖樣和石雕、木雕、彩繪畫稿一類雕繪紋飾圖樣。這些珍貴的圖樣通過先進的科技得以流傳后世,成為中國古代工匠美術教育史上重要的圖示典范。科技發展表現于宋代美術教育上最明顯的就是豐富了美術教育的教育形式及教育范圍,圖文并茂的理論書籍更便于學習者來理解吸收,大量印刷圖案的出現,使普通百姓也能夠有機會接觸到一些美術作品,從中受到美的熏陶與感染,極大地豐富了大眾百姓的精神生活。
中國夢繪畫作品范文2
【關鍵詞】人體藝術；西方藝術；主體意識；繪畫表現
無論時代如何發展，人體藝術始終是繪畫中不可或缺的一部分。從遠古時期在墻壁留下的石刻和圖像，一直到在面對模特或圖片的寫生創作的人體藝術。在這漫長的歲月中，無數藝術家對于人體藝術的研究都在厚厚的史書上留下璀璨的一筆。本文探究西方美術史上極具代表性的一些人體藝術，以及探討在人體藝術于我國現代以及當代藝術家的發展和突破。
一、人體藝術概述
人體藝術表現人類偉大的生命活力，啟發與醞釀了無盡的想象空間和創造，使肉體美和精神美和諧地融為一體?！懊馈笔且粋€關鍵的啟示。①人體藝術是主觀意識和審美意識二者結合的產物。我們研究別人的藝術作品從而獲得自己的審美感受，最終當自己創作人體藝術作品時，就會在腦海中浮現之前獲得感受和新的理解，并且相應地根據實際的審美感受做出合理調整，與此同時蘊含新的理念的藝術品就誕生了。所以，接下來本文研究兩個方面，一方面是藝術家實際對于所做繪畫的表現技術分析。另一方面是繪畫作品中藝術家真實的情感賦予研究。
二、現代繪畫創作中的表現形式
（一）莫迪里阿尼的裸女人體藝術
莫迪里阿尼出生于19世紀，他一生的繪畫作品都以“人”為主要題材，涵蓋了肖像創作和人體創作。他與現代藝術有著密切的聯系，尤其是他的繪畫風格突破了時空的限制，打破了當時的繪畫風格的制約。對于他的人體繪畫主要可以總結為以下幾個特點；第一，造型具有古怪奇異的特點。他的大多數作品人體的比例奇特，面部和脖頸以及四肢都變相地拉長，肢體動作就是一些普通生活的自由擺放。比如說，《持扇女子》《圍紅圍巾的安妮》《穿黃衣服的安妮》《坐著的裸女》等等。第二，沉著的色彩表現。他的色彩單純而不失品味，他的好多顏色是畫家獨具特色的調和，整幅畫面沒有過多的色彩冗雜，表現出來的是一種令人憂郁的意味，比如《臥躺在沙發上的裸女》《坐著的珍妮》等。第三，富有彈跳力的線條。與以往的寫實繪畫不同，莫迪里阿尼的人體繪畫是一種大膽的細線勾勒，并且是平面傾向的描線框廓，這種技法的最根本的效果就是高級。
（二）新寫實主義的人體藝術家菲利普·珀爾斯坦
20世紀初的美國，經濟開始走向大蕭條，在這個時間段，當代新寫實主義的藝術家菲利普·珀爾斯坦誕生了。受到當時的政治背景影響，藝術家大多與資本主義接軌，服務于經濟和政治。菲利普·珀爾斯坦的藝術風格受到傳統寫實主義、波普藝術和抽象主義的多方面影響，實現了現象和抽象的結合。首先，在構圖上，突破了傳統的矩形式構圖的束縛，采用剪切式構圖。例如《梯上的裸女》中就是截取了人體的一部分，留下畫家想要表現的一部分。這種截取方式會使整個畫具有無限延伸的空間感。其次，在造型表現上，菲利普表現得的是另一種另類的美。之前的藝術家所繪畫的人體一般是飽滿的積極向上的，而菲利普所呈現的則是相反的冷漠凄涼悲痛的感覺，這大概就是藝術家對于生活的真實寫照。最后，在色彩搭配上呈現的則是高級灰。一般對于人體的顏色搭配上，要么就是素描式的顏色處理，要么就是五彩斑斕的情緒式搭配，而菲利普的顏色打破了常規，他以臨近的高級灰處理人體的肌肉起伏和造型變化，讓他原本剪切式的繪畫作品上升到更高層次。
（三）常玉豐滿張揚的女性人體
20世紀初的中國，藝術家不斷探索著西方的繪畫藝術，并且與國內藝術相融合，取其精華去其糟粕。常玉早期研究西方藝術，但巨大落差使他迷茫，不斷在傳統文化和新奇思想的雙重影響下徘徊。最后，他頂住壓力開辟屬于自己的新的藝術表現形式。常玉將傳統的西方媒介材料表達“中國式”的美學精神。對于人體藝術繪畫，常玉一直致力于女性人體藝術的研究。在女性題材中，常玉的畫面給人以夢幻式的理想自由感。一方面，他結合了莫迪里阿尼的藝術特點，比如畫面的平面現代性、勾勒式的線條以及純粹的色彩平涂運用于他的女性的繪畫。另一方面，藝術家常玉最具有創新的就是用油畫表現本土的內容和情感表達。當欣賞《粉紅裸女》《碎花布上的粉紅裸女》等常玉的作品，給人的感覺是朦朧感和神秘感?！段鞣矫佬g簡史》中將常玉女性人體藝術主要分為粉色時期和黑色時期這兩大研究歷程，二者差異只在于歷史背景對于畫家的思想情緒的影響。相對于西方的人體藝術繪畫，常玉的更具有中國畫的飄飄渺渺然。這對于國內現代人體繪畫具有破浪式的價值。
（四）潘玉良解脫式的人體藝術
潘玉良作為20世紀初的女性藝術家，她的藝術風格早中期都是受到西方藝術的影響。她的《鏡中裸女》《女人體》更像是原始非洲藝術，而后的《照鏡》更具有日本浮世繪的風格特點，她的《春之歌》基本上就是中國式的馬蒂斯《舞蹈》。潘玉良給中國傳統的人體認知感增加外來的創新，使人們更加接受人體藝術形式，鼓勵女性的自我解放和發展。
三、現代繪畫創作中的人體藝術表現意蘊
（一）克里姆特人體作品的形象的寓意性與符號裝飾性
在繪畫領域中，克里姆特追求的是抽象意味和重構性質的藝術風格。他是奧地利維也納分離派的代表性人物，同時他的人體藝術風格是一種裝飾性藝術，一方面，克里姆特的藝術風格擺脫了傳統的再現客觀現實。而是屬于主觀自我表現點線面色彩等具有特殊價值的符號。另一方面，克里姆特的人體繪畫中蘊含著死亡與性的象征意味，這與畫家所處的時代背景有密切的關系?？死锬诽氐娜梭w藝術繪畫作品主要以愛情、悲劇和生死為主，他深受弗洛伊德和尼采的人體理論的影響，繪畫作品上所要表現的是畫家對于人的繁殖、愛情以及死亡的深刻理解，這就在畫面上表現的就是具有一定抽象概念的繪畫要素的象征表達。相對于同時期的傳統繪畫?？死锬诽氐娜梭w藝術還具有平面裝飾感，其次還有整體概括性的輪廓線以及神秘氣息的特殊符號堆積，這都讓人體藝術繪畫超脫了時代的思想限制，具有現代繪畫的創新和突破。
（二）達利手工制造的夢境藝術
與20世紀初的眾多藝術家不同，達利的藝術形式更像是具有現代氣息的神秘壁紙。仔細研究他的一些人體繪畫作品，他更傾向于原始模樣的拉扯變形以及迷幻的色彩運用，這就很容易讓欣賞他的作品的人感覺到新穎和創新。達利的人體藝術繪畫代表作品是《麗達》，這幅畫的繪畫特點主要有平面的色彩表現和無邏輯的構圖，不過畫面主要的女性呈現的則是寧靜的美好，他許多作品內容是荒誕的夢與理想的現實的疊加的突出表現。達利的繪畫給人的是畫家想要表達的情感和思緒，而不是具體的繪畫內容，這是現代繪畫與傳統繪畫最大的區別。欣賞者會被畫家帶入他的精神世界，或者達利的互相矛盾的藝術理念中。
（三）夏加爾的人體自由文學
夏加爾是自由的人體文學大師。他的作品風格融合眾多藝術，比若說野獸派的變形與強烈的色彩、立體派的幾何畫面形式、表現派的激情、達達派削弱理性因素以及超現實主義的夢幻。他的藝術風格是建立于與眾多藝術形式上的超寫實，這也就讓達利成為現代繪畫史上的偉人。他的藝術作品充斥著天真和魔幻的氣息，以獨具個人的形式表達對于情感和理想中的景象的象征意味和情感抒發。他的代表作《生日》就是以一種人像飄浮于空中，并且將人體結構的扭曲變形，但總體上是以純凈和諧的色調呈現寧靜美好?！洞蠹t裸女》的感覺是大膽扭曲的行為藝術和鮮艷熱烈的奔放色彩?！对诰S臺普斯克上空的裸女》則表現的就是毫無邏輯的空間安排以及純凈的色彩安排。達利的許多作品都有其現代繪畫的特點，給予封閉的藝術理念猛烈的抨擊。
（四）畢加索的“人體形式實驗”
畢加索作為“立體主義”的偉大先驅，為20世紀的現代藝術提供了重要的理念支持和啟示。他的繪畫作品在發展高峰期進行了對于形體的重構，并且否定了一個視點的觀察和表現，所以在畢加索的畫面能夠看到其他視角的內容。畢加索的畫沒有繽紛的色彩，更沒有特殊的形式構圖，他最主要的就是塊面的重新組合以及高度概括的客觀事物抽象化?！秮喭r少女》是畢加索典型的人體藝術作品，也是畢加索立體主義的開篇之作。整幅畫通過扭曲的空間和裸女，以及幾何形體的構成烘托出畫家心中的理想美，畫家完全擺脫傳統的透視規則，形成了和學院派相反的全新的藝術美。
（五）原始情趣的再現人體——米羅
米羅是和畢加索、達利齊名的20世紀超現實主義繪畫的繪畫大師。他的繪畫是把兒童藝術、原始藝術和風俗藝術等融為一體的全新的藝術形式。欣賞他的繪畫作品，能夠讓人感覺到自由的氣息。米羅的繪畫沒有具體地再現事物，也沒有傳統的透視、構圖和色彩的美術邏輯，他采用的是一些線條，一些類似兒童涂鴉的形狀或符號構成理想的抒情藝術世界。米羅的人體藝術代表作《站著的裸女》，這幅畫色彩奇異，構圖新穎，畫的具體內容僅僅只能看到女性人的外部輪廓，基本上在看到這幅畫的時候，都有一種云里霧里的朦朧感，這也是米羅藝術形式的特殊感覺，米羅的畫總是在迷蒙中透露著純真質樸和和諧美，也正是這種平靜的形式給予聒噪的世界全新的藝術美。
四、現代繪畫人體藝術的總結
就近展史來說，西方繪畫在二戰后發生了翻天覆地的變化，這時期的人們思想由于戰變得更加開闊，觀念變得更加新穎。在現代繪畫領域中，各藝術流派在人體藝術風格鮮明且獨具特色。一直到現代人體藝術，以往的人體始終是較為封閉的發展，無法突破客觀實際的表現與主觀思考之間的界限。新時代中表現人體藝術美的形式多姿多彩。一方面在表現上突破了原始的繪畫材料限制和繪畫技法捆綁，讓更多藝術家有多種形式來表現。另一方面，藝術家現在所處的時代相對于以往沒有顯著突出的時代影響，畫家在進行藝術創作時可以不被政治經濟等外界因素影響，他們可以無憂無慮地表現心中之美、人體之美。畫家作品所要表達的就是單純的“美”。
五、結語
中國夢繪畫作品范文3
[關鍵詞]線條 閉合形 開放形（有機形） 繪畫語言 視覺空間
一、線與形
線條是物象結構邊緣的輪廓。在繪畫指勾勒和描畫物象輪廓的線，是繪畫表現最常用的一種載體。在幾何學上線條是指一個點任意移動所構成的圖形痕跡。由線條所構成的“二維平面”叫做“形”（本文特指形狀）。
“形”可分為實形和虛形。實形——是形內充填滿實體物質，在視覺上形成“圖”的表象。虛形——是形內沒有實體物質，只能看到有空洞感覺的形的范圍，在視覺上只形成“空間”的表象。例如：太極圖中的“黑魚”就是實形魚身，虛形魚眼。而“白魚”是虛形魚身，實形魚眼。（見圖一、二）
二、“閉合形”和“開放形”的特性
從“形”的特性來劃分，一般可分為“閉合形”和“開放形”。
閉合形——是由首尾相連的線構成形的邊緣并形成視覺上的完整圖形。一般情況下，“閉合形”與襯托形的背景形成“圖”與“地”的關系，即襯托“形”的背景為“地”，各種“形”的本身為“圖”，這就是我們常說的地圖關系。對繪畫的畫面而言，就是表現的主體景物與背景之間的關系。我們所說的三角形、四方形、圓形、梯形、多邊形、自由形等都是相對于襯托這些形狀的背景而言的，它們都有其自己唯一的“閉合形”表象特征。
開放形——是由首尾不相連的線構成形的邊緣并形成不完整的圖形?！伴_放形”是有意識的將構成形的邊緣斷開并穿各種繪畫語言，在視覺上將“地”和“圖”都分割成可以相互交錯和穿插的空間關系，其特有的不確定空間構成方式，會讓觀者產生很多可以反轉的錯覺空間感受，體驗到撲朔迷離的視覺空間效果。因此，“開放形”視覺空間表象在美術作品創作中的應用，會使畫面產生豐富的聯想，使有限的平面空間產生多維的虛幻立體空間，增強了畫面的表現力和感染力。（見圖三）
“形”在閉合的狀態下，不管進行怎樣的排列或組合，都不會因為構成的形式改變而使其自身的特性發生空間的變化。而當“形”由閉合的狀態轉變成開放狀態后，就會產生本質的改變，隨著“形”開放程度的改變而在視覺空間上產生明顯的變化，使原來“形”的特性向“線”的特性方向轉化。此時，如果采用各種不同的表達形式構成畫面，所產生的畫面狀態和空間都會發生很大的變化，在視覺上形成類似浮雕的空間感覺。（見圖四）
三、繪畫語言
在美術作品的創作中，繪畫語言是由多種要素構成的，它包含了技巧、形式和內容的有機融合，使用繪畫語言所表現作品主題的深度和廣度是檢驗畫家藝術水準高低的標準。從這個意義上講，繪畫語言的不同運用，則產生出不同風格的繪畫作品。其中點、線、面、體、明暗、色彩、肌理等是最基本的元素，在這些元素中，點的運動形成線，線的運動形成面，面的運動形成體，它們之間還可以在畫面中相互轉化。適當的線條表現就可以在平面中產生合理或非合理的實體空間或虛體空間，這種可以相互轉化的關系在表現面（形）、體、明暗、色彩、肌理等疊加畫面效果時都是通過線的有機構成來實現的。（見圖五）
通過使用“線”這種特殊的繪畫語言，直接去反映藝術家對世間萬物的真實看法、親身感受和喜怒哀樂等生活感受，在很多國際著名藝術家的作品中都有體現。事實上，形態各異的線條，功能有別，在具體的運用和長期的演化過程中愈來愈富有含蓄性、表現性、象征性與抽象性。中國繪畫（特別是工筆畫）在相當程度上是以富有骨氣韻味的線條來表現的。在國際著名藝術家畢加索、克利、達利、米羅的繪畫作品和亨利·摩爾的雕塑作品中就充分體現了線條和由線條構成的虛實面、虛實體在這些藝術品中的重要作用。
線有直線和曲線之分，曲線比直線具有柔和、流動、變化、優美等特征；曲線能透出婉媚、飄逸等風格，直線則體現簡潔、剛毅等風格。根據“線”存在的狀態，其表現的功用顯得特別突出，通常是對所目睹、感受或想象到的事物的一種視覺表現，每一根線條都極富意味，是藝術家使描繪對象精神高度升華的主要表現手段。特別是中國畫的繪畫體系，不管是“工筆畫”還是“寫意畫”一直是將中國書法的用筆、用墨融入繪畫中，因此，對線條的表現能力要求很高，近現代很多歐洲繪畫大師和日本浮世繪畫家的作品，都是受到中國畫線條表現形式的深刻影響。
四、有機形的應用
在自然界大部分的形是有機形（開放形），它是柔和的、輕松的、曲線性的和無規律的。但是，在人們以往思維模式中的形是無機形（閉合形），它是生硬的、刻板的、有規律的，而且常常是長方形的，類似工廠生產相同產品的感覺。因此，有機形在美術作品創作的應用，將會使繪畫作品更具有接近自然的真實內涵特質。
從宏觀的繪畫表現方式看，一般使用寫實、夸張、象征的（即曲折隱喻的） 這三種繪畫語言來表達藝術家的創作思想?！伴]合形”與“開放形”繪畫語言作為一種新的繪畫表現方式，在美術作品創作中的應用，可以將以往的寫實、夸張和象征的表現方式有機的融為一體，使畫面呈現出半立體的空間反轉視覺效果，使畫面產生類似交響樂多聲部混聲的效果。同時，由于線在長度、寬度及方向上的不同表象，會使連續不斷的或間斷的，粗的或細的，有規律或無規律的，靜止的或運動的，直線的或曲線的，或者是這些線的諸多形式的不同的結合體所構成的藝術形象，在“圖”與“地”之間產生多重錯覺空間的交織和穿插表象，如果再加入光影、空間和體量的表現，就會使畫面呈現出千變萬化的特殊效果。（見圖六）
寫實的表現形式----是繪畫語言中最基本的一種表達方式。它最能樸素自然地再現生活和傳達思想感情。中國五代時期畫家黃筌的“珍禽花鳥畫”就是典型的寫實語言，以形寫神，情趣動人。中國現代畫家羅中立的油畫《父親》和廣廷渤的丙烯畫作品《鋼水·汗水》同樣采用了非常寫實的繪畫語言表達作者對生活的感受。羅中立的油畫《父親》通過超寫實的手法表現“父親”在烈日下的曬谷場上喝水的瞬間畫面，展示了中國農民吃苦耐勞、質樸勤奮的性格，影響了很多中國現代畫家的創作方向；廣廷渤的丙烯畫作品《鋼水·汗水》通過煉鋼工人在煉鋼爐前休息喝水的畫面，表現了他們以苦為樂、忘我勞動的高尚情操、樸實憨厚的性格，通過富于感染力的細節描寫，把煉鋼工人火一樣的熱情和鋼鐵般的意志等準確、形象地體現在畫面上，感動了千千萬萬讀者的心，引起了極大的反響。藝術家正是通過這種寫實的繪畫語言來表現人們外在質樸美和內的心靈美，在思想感情上引起對生活中勞動者的崇敬和贊譽。（見圖七）
夸張的表現形式-----是繪畫語言中另一種很有特點表達方式。它是藝術家通過概括提煉、夸張變形的方式將人物或事物的內在本質進行創造性的表現，是畫家表現自己獨特感受、強烈激情和美好理想或幻想特殊方式，它具有的特殊功能使人們通過對畫面的感受去體會和感悟藝術家內心所表達的精神情感世界。世界上很多的動畫片為了作品的需要，都是采用了非常典型的夸張變形的繪畫語言進行角色創作的。其中著名的動畫片《米老鼠和唐老鴨》中的老鼠和鴨子的卡通形象就是使用夸張繪畫語言塑造非常成功的作品之一。它將我們平時厭惡的老鼠和相貌平常的鴨子塑造成愛憎鮮明、滑稽可愛的“米老鼠”和 “唐老鴨”的精美形象，風靡全世界，至今，在世界各地都有很多品牌專賣店專門銷售以他們的造型所衍生出來的玩具和文化體系作品。在世界級繪畫大師中畢加索的很多作品也是將各種不同角度的視覺印象通過夸張變形和重新構成的繪畫語言塑造了在他心中新的作品形象。他著名的作品《夢》就是運用夸張表現形式非常典型的例子。
象征（亦屬曲折隱喻類） 的表現形式-----是繪畫語言中借用某種具體的形象的事物暗示特定的人物或事理的表達方式。它以物征事的藝術表現手法來表達真摯的感情和深刻的寓意，給人以簡練、形象的真實感，使人們產生豐富的耐人尋味的聯想，從而獲得意境無窮的感覺。很多象征的繪畫作品中，并不是從正面去表現作者在作品中要表達的物體和思想、情感，而是拐彎抹角地，有時甚至是借用其他抽象隱喻的東西去表達。本世紀初以來產生的大量抽象繪畫，就打破了古典主義繪畫那種系統性的穩定與美的形象，它沒有現實主義繪畫那樣充分揭示人物性格的寫實主義作風，而是完全脫離了傳統的藝術觀念，沖破了有史以來僅靠具象形式反映生活的束縛。我們在康定斯基、蒙德里安、克利等抽象繪畫大師的繪畫作品中可以找到這種象征、隱喻的繪畫語言。
《記憶的永恒》是西班牙超現實主義畫家達利1931年創作的一幅布面油畫。這幅作品中表現了他不加選擇的夢境、幻覺和意念。畫面中，達利運用象征性的表現手法和他那熟練的繪畫技巧，通過精心刻畫的幾只已經疲憊不堪變為柔軟狀態的金屬鐘表定格，揭示了一種潛意識世界的時間永恒，創造了一種引起幻覺意念的真實感。（見圖八）
我也喜歡用象征的繪畫語言來展示自己的思想情感。在我的作品《風中飄動的思緒》中，我象征性地將風中飄動的發帶、荒蕪的山頭、遠處窗子的投影和由橢圓形構成的人頭中交織飄蕩出來的大腦形體等元素，通過張開大嘴高聲吶喊的人和“開放形”繪畫語言的綜合應用，隱喻地暗示著在當今社會發展過程中，許多工廠企業為了追求經濟利益的最大化，而不不擇手段向我們賴以生存的地球過度索取，并在其過程對大氣、地表和地下造成非常嚴重的破壞，導致我們人類已經生活在危險的邊緣。地球已經不堪重負，我們現在必須要吶喊，要制止人類對地球的再度傷害，想盡一切辦法要保護好地球的環境，讓它得到休養生息，逐步改變現在的環境狀況。只有這樣，它才能繼續為我們人類今后的生活帶來幸福。（見圖九）
五、結束語
中國夢繪畫作品范文4
關鍵詞 音樂 繪畫 建筑 比較
比較，是把各種事物互相區別開來的良方。我們通過這個方法，以期通過音樂與繪畫、建筑的比較，使音樂的特性明晰地顯現出來，易于為人們所認識。這樣，作曲者就能在創作實踐中充分發揮音樂之所長，避開音樂之所短：欣賞者就能在欣賞活動中，盡量地領略音樂所能給予的一切。
一、音樂與繪畫
1、繪畫從自然界中汲取素材，音樂卻不能直接找到可利用的事物
繪畫從我們周圍的自然界中汲取永不枯竭的素材，比如山水、花鳥、田園景象、世態風俗，等等。畫家畫不出他們沒有見過和仔細觀察過的東西。不管是齊白石畫筆下秀美的中國山水，徐悲鴻畫筆下奔騰的駿馬，還是世界上拍賣價最高的凡高的名畫《向日葵》，都是受自然美的激發而創作的。
與繪畫相反，音樂卻無法在自然界中找到可以直接利用的事物，自然界沒有奏鳴曲、序曲或小夜曲。如果說音樂可以從自然界中得到什么。只能說作曲家從自然界美的事物中獲得靈感或創作激情，將自己的內心感受用音樂形式表現出來。盡管樂曲中有弦樂在低音區奏出的音型模擬潺潺流水，長笛在高音區吹出布谷鳥的叫聲，但這并不是自然聲調，從來沒有哪個作曲家能直接利用自然聲調來達到真正的音樂目的。
2、繪畫的發展對音樂的影響
印象主義這一概念最早出自1974年法國畫家C?莫奈展出的一幅標題為《日出印象》的繪畫。以莫奈和馬奈為代表的法國印象主義繪畫流派，以獵取自然界的瞬間印象為目標。不拘于細部，而只重其整體效果，著意描繪的是特定氛圍下的色彩和光線，出現在畫面上的總是朦朦朧朧的夢一般的印象。在印象主義畫派和象征主義文學的雙重影響下，以法國作曲家德彪西為代表的印象主義音樂家，同樣喜歡描繪大自然的光線和色彩給人們帶來的瞬間印象和感受。在德彪西的創作中比比皆是。如《月光》、《雨中花園》、《水中倒影》、《透過樹林的鐘聲》、《云》《海》、《夢》等。印象主義作曲家甚至認為音樂更能把印象主義的理想和給人們帶來的朦朧的感覺、模糊的印象表現出來。因為音樂的運動和光的流動都是在時間內完成的，所以音樂比繪畫更有條件表現不同的時間感官印象的全過程。帶有飄逸和風雅格調的印象主義音樂，以其超脫塵世、優雅纖細的藝術品味，給人們帶來了獨特的審美享受和豐富的感官愉悅。
3、欣賞音樂作品產生的聯想與繪畫作品的意境
我們欣賞民族管弦樂曲《春江花月夜》時，會被樂曲抒情婉轉的旋律，古樸典雅、生動秀美的格調，流暢多變的節奏深深吸引，腦海中會閃現出一幅工筆精細、色彩柔和、清麗淡雅的山水畫卷。江南春天的夜晚明月照江面，江上小舟蕩漾。兩岸花香陣陣飄來，花影在輕輕搖曳的大自然美景展現在我們面前。樂曲將多姿多彩的各種畫面有機地融合在一起，使音樂具有強烈的感染力。同樣。在欣賞繪畫作品時。也往往會引起我們在音樂上的很多聯想。比如當我們站在意大利名畫家波的齊里的《維納斯的誕生》前，看到維納斯從碧藍的海水中徐徐浮起時那種清新、柔和、寧靜，就不禁使我們聯想到德國作曲家孟德爾遜的協奏曲。音中有畫。畫中有音，在欣賞音樂作品或繪畫作品時，產生聽覺與視覺的交叉互換，從而形成一個立體的審美空間。
二、音樂與建筑
人們經常將音樂與建筑相比較，試圖證明它們的相似：音樂是流動的建筑，建筑是凝固的音樂。
1、音樂旋律的力量、節奏的變化，同建筑物的線條有著相似的美
我們在欣賞一首音樂作品時，會被時而高亢明亮，時而低回婉轉的旋律所陶醉，被豐富多變的節奏所震懾：我們在凝視一座建筑時，同樣會被起伏流暢的線條(旋律)及錯落有致的框架(節奏)所傾倒。在聆聽貝多芬的《命運交響曲》時，始終被一種力量感染著，這種力量(堅定的信心與頑強的意志)憑借著剛勁穩健的技巧控制著節奏的變化，并貫穿樂曲始終，最后發展到頂點終以光明戰勝黑暗而告終。我們甚至可以說這是一種“建筑式”的感情，因為這樣的感情使人聯想起和建筑物圓滑的線條相似的美。這種線條和絢麗的空間融合成了一體。達到完美的最終的和諧。
2、建筑物的節奏、韻律有時與音樂很相象
節奏和韻律是構成一座建筑物的藝術形象的重要因素也是隨時隨地可以看見的。例如，從天安門經過端門到午門，天安門是重點的一節或者一個拍子，然后左右兩邊的千步廊，各有一排等距離的柱子，有節奏地排列下去。但每9間或11間加一道墻。即節奏斷一下。經過這樣幾段之后，就出現了東西對峙的太廟和社稷門。好像引進了一個新的主題。這樣有節奏有韻律地一直達到端門，然后又重復一次到達午門。
3、音樂同建筑相比有著本質的差異
中國夢繪畫作品范文5
我們邊走邊聊?；腥粽诖┰竭@條古老的時空隧道，在這胡同深處去觸摸歷史的脈絡。他說喜歡這條巷子，喜歡在這樣的氛圍下揮毫潑墨，濃郁的平民氣息，多彩的百姓風情，像陳年老酒，越品越有味兒。
于是，在這冬日午后，我們在暖暖的陽光下聊天。然后一些往事從胡同深處飛出來，象一些開在來時路上的花朵。這位年逾七十、已過古稀之年的老者，精神矍鑠，妙語連珠。他說凡事要用心，繪畫如此，做人也如此。
“蒼山靄靄隔風塵，妙筆寫來別有神。細認墨翠淋漓處，崖深嘯古更振新。”
他就是本文的主人公，國家一級美術師、制作出《大鬧天宮》、《真假李逵》、《三個和尚》等幾十部美術電影、有“東方畢加索”美譽的嘯古先生。
尋夢江南的時光
嘯古生在蘇州，卻和外婆生活在揚州，與揚州有著不解之緣。外婆住在揚州大武城巷內。多少年過去了，嘯古還記得。
嘯古出生時，爆發，蘇州的家被日本侵略者的炮火炸毀。幼小的嘯古被外婆帶到揚州。外婆家姓朱，住在大武城巷。外婆娘舅家的日子叫朱云飛，開了間中藥店。嘯古記得，藥店里的野蘇涓嚶很有名，在揚州城里叫得響當當的。
嘯古印象最深的是“八珍糕”的包裝紙上印有“八仙過?！钡膱D案。平時，嘯古就在中藥店內廝混，有事沒事總喜歡拿著“八仙過?！钡膱D案在手里把玩，時間長了，竟也能照著圖案的樣子臨摹出來。
他讀書的時候，每到假期，就會跟要好的同學一起盡情感受大自然的美好。青的山，綠的水，紅的花、白的鷺，黃的鴨……顏色、味道、形狀等等，構成了嘯古假期一道道感官盛宴，當然，享受這些豐富，他比別的小伙伴們都多了很多心眼，他不僅要將自然盡收眼底，還要把它們牢牢印刻心上，等回到家，就將這些印刻在記憶里的自然，逐一用自己的畫筆“拓印”下來。后來，無論是在蘇州美專習畫還是在電影學院深造期間，深夜，同學們都已經進入夢鄉，嘯古卻倒滿一盞燈油，開始畫。一直到燈油盡了，還不肯停筆。就連在睡夢夢到什么好意境，也會蹦起來，挑燈弄墨，捉夢，生怕到天明夢消失了，就再也畫不出來了。少年是個做夢的年齡，而他經常在夢里作畫，以至于分不清楚是夢在畫里還是畫在夢里。
抗戰結束后，由于蘇州的家已被日寇炸毀，嘯古只好隨著家人來到昆山錦溪。九歲那年，父親帶著嘯古去拜望著名畫家吳似蘭，嘯古隨意間畫的人物肖像讓吳似蘭先生的眼睛一亮，稱其是不可多得的書畫奇才，將來必成大師。在征得其父同意后，吳似蘭將嘯古收至膝下為徒，學習傳統中國畫。
揚州悠悠深巷的生活經歷，給了嘯古深厚的文化熏陶。這一點，人們在嘯古的書畫作品中都能或多或少的看到：畫紙上小橋流水，近處一名少女搖櫓蕩舟，遠處一個帶著孩子休憩草地上，橋映水面，兩岸人家，水中漁家夫婦駕舟緩緩而行。畫色搭配簡約，出神入化烘托出江南特有的情致；動靜和諧又分明，體現出他深厚的生活底蘊和精湛的畫功?？此漠?，更像是在品讀一首清新的詩作，耐人尋味，令你仿佛看到他內心深處與手中畫筆的對白。
動畫巧手老頑童
中學畢業后，嘯古又在吳似蘭先生的推薦下進入顏文梁先生創辦的蘇州滄浪亭美專。（顏文梁先生是我國第一代留法的油畫家、教育家）。之后，嘯古又進入北京電影學院繼續深造。1953年，嘯古進入上海電影制片廠。
起初嘯古在動畫片組從事特技制作。第一次接手的是金兆元導演的《羅漢錢》，嘯古精心制作的片頭贏得好評如潮。此后，大量的動畫片都出現了嘯古的手筆。當時制作條件十分簡陋，為了做出逼真的效果，嘯古絞盡腦汁。為了在《孔雀公主》中營造“鳥在天上飛”的效果，嘯古就此設計出“前面畫飛鳥，后面拉背景”的手法，一幅飛鳥圖立刻栩栩如生。嘯古還會用尼龍絲做出“雨絲”、用玻璃膠做出“眼淚”等，而這些都是嘯古靈機一動的效果。
后來嘯古參加《大鬧天宮》、《真假李逵》、《三個和尚》、《孔雀公主》、《假如我是武松》等幾十部美術電影的制作。在上海電影制片廠從事兒童美術片制作為嘯古日后的繪畫創作打下了深厚的藝術基礎。1991年，嘯古在上海朵云軒開辦個人畫展。
作為中國電影基金會25人的藝委會成員之一，嘯古談及現在中國動畫落后于日本、美國時，表情凝重。他指出，日本動畫畫面細膩，美國動畫動作夸張，這些都值得中國動畫人學習借鑒。中國動畫最重要的是要堅持民族形象。正如美國迪斯尼米老鼠、唐老鴨的形象深入人心一樣，中國也有優秀的民族形象，如孫悟空、黑貓警長等，這些優秀的形象應該得到進一步挖掘。
除了作畫，嘯古的興趣十分廣泛。他是球迷，在揚州開畫展期間，他這幾天都是半夜起床看世界杯，興致所至，揮毫畫出一幅球員踢球圖，寥寥幾筆，惟妙惟肖。此外，嘯古還精通蘇州評彈、昆曲、錫劇等地方戲曲，就連F4主演的《流星花園》的主題歌，他也是唱得如癡如醉。
妙筆點染水墨新天
方成先生這樣評價嘯古的繪畫：“嘯古用他的心態畫出了自己的風格，用他的思維來表現世界之美。”
嘯古的畫風重意尚趣，以展示人的心靈，傾訴人的心聲，吐露人的真情實感。也許由于他對音樂有著特殊的鐘愛，故而在他畫中，始終保持著一種不可名狀的屬于人民大眾的音樂形象。細讀他的畫，不嫩發現，有著樂章的變奏，引申、遞進的反復旋律。節奏之明快，音區、音量之起伏，越發使人感到畫作的形象豐滿。而構圖的簡潔、明快，則又顯示出每一件作品的層次清晰，氣勢雄渾，主題深沉，內涵無盡。從嘯古的畫中，人們看到的不僅僅是中國傳統的水墨畫，更多的是運用西方油畫的繪畫技巧結合中國的傳統水墨畫的風格，體現出一種獨特的藝術魅力。
嘯古說這是他幾十年畫作所追求的，也是前輩老畫家所探索的，所以在他的繪畫作品中秉承了前輩畫家的夙愿，不斷地吸取先輩畫家的畫風所長，在其繪畫藝術中集國畫的靈魂與西洋印象派繪畫之意境，經過幾十年的嘔心瀝血，凝結出自己的藝術風格，創作出數百福精美作品，享譽國內外。
1997年，美國著名油畫家培斯到上海交流，當他在朵云軒畫室見到嘯古作品后，驚呼其為“東方畢加索”。培斯回國后特地將女兒從美國帶到中國拜嘯古為師。嘯古的作品近年來已被美國、英國、新加坡、日本及港臺地區多家博物館收藏。
嘯古認為中國人應該畫中國畫，但不能千人一面，抄老祖宗的東西。一個藝術家要畫出自己心底的東西，畫作要自然，不能裝腔作勢。他應邀進京畫《新北京、新奧運》，他的巨幅作品《寫江南》也被天安門城樓收藏。按照嘯古的說法，要“洋為中用”，這是他矢志不渝、執著追求的方向。
他把江南水鄉生活作為畫作源泉。立意觸角穿越時空伸向消逝的年代，去刻劃那些自然界美麗生靈，讓她們的美扣動觀賞者心弦，使他們體味著自然滄桑和人性自由的美好，開辟著山水畫新的美感。在繪畫表現形式方面他以現代藝術思維摒棄種種戒律，以意駁法，大膽地采用揮發與制作、寫實與裝飾化混用的處理手法，又勇于和“討好不吃力”流行畫模式“反其道而行”，他以嚴肅認真的態度對作品進行精心、一絲不茍的創繪，推出與以前任何時期繪畫作品不同審美張力的新作。
頗為有趣的是，他作畫時旁若無人，畫到興致處，喜歡一邊哼著歌曲一邊作畫。他的每一幅畫，幾乎都是在美妙的音樂聲中完成的。
著名畫家盧沉這樣評點嘯古：“我佩服他在逆境中自尋樂趣，心態自然。他常研究西方繪畫和林風眠先生的藝術，創出了自己獨特的風格。后他來北京我見到他的畫線條灑脫，墨韻迷人，色彩鮮明，他畫的水鄉人物都有動感，他畫的水鄉房子好像就是我家門口，房子結構逼真。有位蘇州的老鄉告訴我正心兄作畫邊唱邊畫，尤其是唱蘇州評彈加上說白，提筆提神墨色交融，一張水鄉畫面就這樣一氣呵成?！?/p>
中國夢繪畫作品范文6
沈其斌：1、你是如何評價中國當下所謂的“當代繪畫”?你認為它存在的問題是什么?你是如何保持警惕的?
郭燕：中國當下的當代繪畫，讓我感覺到太多的符號化和潮流化。個人創新少，很多作品與藝術家個體內心無關，似乎一切都顯得太快太隨意!
藝術本身應該是自由地創造和探索，表現它獨特的精神世界。以個性化的東西來打動別人，其價值使人擺脫固有觀念和既定的審美，而現在很多人在藝術江湖里行走，但骨子里似乎并不是真正的熱愛藝術，所以表現出來的是空洞，與精神和靈魂無關，沒有自我!藝術應該讓人的內心更自由、更真實。我希望自己不會盲目的隨波逐流，不被現實所束縛，我相信只有內心強大的人才能真正的堅守自我。藝術也是思想的武器，藝術家也必須擁有超越存在的雄心。
沈其斌：2、你認為你的繪畫有些什么個人特色?你如何評價自己的繪畫語言和樣式?
郭燕：回顧以前大師們的作品，從單純的繪畫語言來講，已是應有盡有不可能會有太大的突破，但以表現思想和獨特的內心世界這個層面來講，繪畫卻會有無窮無盡的空間創造，架上繪畫還是有無可替代的魅力，我的作品畫的表現而寫意，色彩主觀，作品表現對現實無奈的內心影射。城里的鋼鐵叢林、睡夢中的人們回游和飄浮在現實和理想之中，黑暗孤島上燃燒的大樹，總是蘊含著我內心巨大的情緒和張力!這是一個隱密復雜的內心世界，我只是通過繪畫來表達。
沈其斌：3、你在你的繪畫中主要想表達什么?為什么要用這種方式?它具有可替代性嗎?
郭燕：我的繪畫作品表達我每個階段關心的主題，繪畫是思想工具的呈現，每件作品都是我思考的成果。我的作品太多都是圍繞著烏托邦世界的一個描述，不同之處《浮》和《飄》系列，我主要表現人與人，人與城市的那種既疏離又相互依附的矛盾關系，既現實又無奈!我個人是反城市化的，城市的高度集中讓人壓抑，讓人容易迷失自我!而《菩提》系列中我沒有刻意描繪我們的現實生存環境，而刻畫的是一個更理想，更虛無的精神世界，更烏托邦!菩提也成了我個人修為的一種隱喻。近期我在創作的架上繪畫，自然而然的有些變化，色彩上進入了我個人的綠色時期。同時在做一些裝置作品《懸浮的物質》《他們的外套》等，材料是透明的水晶樹脂，鑰匙和過期作廢的身份碎片，過期的銀行卡等，總之，我的作品都是我個人內心世界的真實影射。
相比之下架上繪畫我覺得對我而言，還是最直接的一種表達手段，相對容易控制，也是我最熟悉的一種媒介，我任為沒有替代性。
沈其斌：4、你的繪畫是否充分表達了你的觀點?你認為哪些方面有待改進或有空間?
郭燕：我想這個問題觀者回答更有說服力。雖然我希望我的作品能打動別人，能充分的表達我的思想，有自己獨特的繪畫語言。但是我對自己的作品很難滿意，這么多年，畫了太多的畫，我覺得廢品也很多，滿意的很少，我經常毀掉以前的不滿意的作品。但又停不下創作的沖動，就象是患上了強迫癥一樣，繪畫有時對我而言就象是一支鎮靜劑，能讓我的心平靜下來，讓我仿佛進入另一個虛擬的世界，我喜歡這種感覺和創作過程，它帶給我的滿足是無法替代的，這種快樂有時是一種高級的痛苦熬出來的，所以我也有時對朋友講：“藝術是一種病，當你喜歡它的時候，你已無法治愈了!”
沈其斌：5、你和你的繪畫是一種什么樣的關系?你為什么用繪畫來創作?你有可能放棄繪畫嗎?為什么?
郭燕：繪畫不是我生命的全部，但卻像我體內的血液一樣無處不在，它已成為我的一種生活方式，也是我從小的夢想。雖然藝術表現方式是多樣的，但我個人更偏愛架上繪畫，它比起裝置影像等相對更容易駕馭，喜歡繪畫，沒有原因!我不想放棄繪畫，但如果現實所迫，到無路可走的絕境，我想生存才是第一位，能生活下去才是硬道理。藝術在現實中顯得太奢侈，曾經大學畢業時我都覺得做藝術是遙不可及而傷感的夢，現在我才穩穩地抓住了它，覺得和自己曾經從小一起畫畫的伙伴們相比，我還是很幸運，能做自己喜歡的事，我已是很滿足，所以我要珍惜，要感恩!
沈其斌：6、繪畫在你的藝術創作中占什么樣的比重?有什么樣的關系?
郭燕：繪畫在我現在的創作中，完全占主導地位，大學時我的專業也是油畫，兩年前我才嘗試裝置作品，兩者看似沒關系，但終究是我觀注的一些主題，只是通過不同的手段表現出來。
沈其斌：7、你認為未來的繪畫會怎樣發展?你理想中的中國新繪畫會是什么?
郭燕：我想未來繪畫，無疑會多元化，反潮流化發展!
我理想的中國新繪畫，應該是表現人類獨特精神世界的作品。這些作品也會是全人類共同的精神財富。
沈其斌：8、你如何看待中國的傳統繪畫?你的繪畫和傳統有什么聯系?為什么?
郭燕：中國的傳統繪畫，有固定的審美情趣，很唯美。文人氣息很濃，表達方式是隱密的。我的繪畫作品和傳統繪畫是有聯系的，這是文化的傳承潛移默化的結果，我們每個人都是文化的囚徒，沒有孤立存在的可能。
沈其斌：9、你的繪畫在美術史上下文中是一種什么樣的關系?你覺得哪一些你有所收獲或突破?還需要在哪些方面進一步實踐和探索?
郭燕：我想人是時代環境的產物，雖然我從小就看有關美術史的書籍，更是喜歡研究我崇拜的大師，但從來沒認真想過自己的作品在美術史中的關系，似乎是自然而然的走到今天，每個藝術家都渴望自己的作品能有推動整個藝術史的作用，研究個人作品除了研究藝術家本人，也要將他放進正在發生的大的文化歷史系統，而不僅僅在美術史中。我想歷史自有客觀定論吧!
我覺得自己是在藝術世界里修行的人，藝術是心靈的救贖。所以前兩年作品命名為《菩提》，菩提是佛教里的圣樹，佛家以為內心須悟才是人生終極的自由，繪畫是我內心修煉的途徑，表現的是我的精神圖像，像我信仰的宗教一樣，我會專注于我認為有意義有價值的事物上，保持創作的自由和獨立性，必竟時間是寶貴的。
沈其斌：10、你怎樣看待今天的繪畫市場?你對藝術金融化的趨勢有怎樣的反應?你有什么樣的準備?
郭燕：我覺得今天的繪畫市場感覺生機勃勃又魚目混雜，就像我們這個時代的大背景!藝術品金融化是大的趨勢，這似乎已勢不可擋，這和我們國家經濟發展分不開，我還沒有什么準備，我想我會按自己的節奏完成好每一件作品，保持創作的獨立性，這樣我的作品才可能會有價值。
沈其斌：11、作為一名藝術家你覺得最重要的是什么?對你所認為重要性你是如何把握的?
郭燕：最重要的是創作出有價值的作品，保持靈魂與意志的獨立性，藝術對于藝術家而言，本來就應當是一種信仰，否則無法繼續。每件作品都是藝術家內心矛盾煎熬的成果，激性的創作和理性的分析，總是很難把握，有時想的太多激情被消耗和質疑，就會停止不前，總之，我會尊重自己的內心，真實的表達自我!
